EL ROCK SI TIENE LA CULPA!

Caprichos de un rockstar senil: Kisses on the Bottom – Paul McCartney

2012-02-07T17:20:00.000-08:00

Kisses on the Bottom

Paul McCartney

Hear Music

2012

De un tiempo a la fecha, Paul McCartney ha adoptado la rara (y ya a estas alturas, chocante) muletilla de invocar a su pasado comoBeatle y sobre todo, la de involucraral fantasma de John Lennon para justificarmuchas de sus decisiones artísticas actuales: Ya sea desde el desenterrarviejas canciones, su forma actual de componer y grabar instrumentos o comoahora, la justificación de hacer un disco de canciones añejas que (según el) lasescuchaba de niño (y también John) y que se volvieron influencia importante ensu trabajo posterior como Beatle y en solitario.

El día de hoy, oficialmente, es el lanzamiento del nuevodisco de Sir Paul McCartney; Kisses on the Bottom que se puedetraducir como besos hasta el fondo. El titulo que se extrae de un párrafo de la letra de una de las canciones del disco(I'm Gonna Sit Right Down And WriteMyself A Letter) y que, en todo caso, se entendería (en el contexto de la canción) como una frase amorosa de reconocerque uno es un chingón escribiendo cartas a uno mismo.

Por si mismo, este horrible nombre del álbum ya tiene un lugar seguro en la lista de lospeores títulos de discos de todos los tiempos; porque (no se si a deliberadamenteasí escogió Paul el nombre del disco) la frase podría entenderse como besos en el trasero… cosa que igualtiene sentido (si se lee en el contexto del caló gringo )si lo que se trata esde homenajear a las canciones que se incluyen en el disco, aunque en México yotros países, invita más al doble sentido.

Y es que, como el propio Paul explica, su intención fuehacerle un homenaje a aquellas canciones que, en su niñez y en la de Lennon, fueron gran influencia para suposterior desarrollo como los Beatles;aunque, con todo, su disculpa anticipada fue la de decir: “Hombre! Si no hago esto ahora, entonces nunca lo haré”. Y así, de esta premisa del ahora o nunca sale el que quizás sea elpeor proyecto en solitario de Paul… aun peor que su fallida aventura fílmica Give my regards to Broad Street (1985).

La razón más evidente de este fallo se debe a que una revisiónal greatamerican songbook (grandilocuentetermino con que a los gringos les da por referirse a la música escrita en supaís hasta la primera mitad del siglo pasado) es la manera más fácil derevivir carreras artísticas acabadas o punto de la quiebra, como la de Rod Stewart o Barry Manilow; sin embargo lo que aquí extraña es que la salud del MasCarnes (física y financiera) es másque envidiable (ya quisiéramos tener los millones de libras que tiene debajodel colchón!) y lo único plausible para editar este estuche de azúcar ultrarefinadaes la explicación-disculpa del propioPaul. Me inclino más a pensar que ya la senilidad ha llegado a nuestro héroe musicaly que combinada con esa ya aburrida pleitesía que Sir Pol le tiene a “America” (ósea los Estado Unidos) lo ha llevado a lo que en su momento, casi lecuesta la carrera a los U2.

Bueno… no seamos drásticos. Paul está ya más allá del bien ydel mal; aunque (esperemos) que este experimento musical solo sea un caprichitode viejito gaga y que no trascienda más allá de que este disco le agrade sobradamentea cierto sector del publico gringo y quizás le valga, al menos, una nominaciónal Grammy. En serio que sería unatragedia que el próximo año, nos tengamos que chutar los volúmenes 2, 3 y 4 deestos “besos”.

Por otro lado, esta es también es la manera más cursi de ponerleuna signo de interrogación a una carrera musical que, si bien ha tenido susaltas y bajas, al menos ha sido constante. Este nuevo trabajo de McCartney nose trata de una nueva incursión en la música sinfónica o de cámara; genero enel que ya ha producido seis álbumes de música clásica que, vistos a la distancia y quitándole la novedad de ser opus orquestalescompuestos por un ex Beatle, son bastante predecibles, cursis y a veces faltosde frescura y espontaneidad.

Hablando ya del album; se puede remarcar que particularidadque distingue a Kisses on The Bottom deotras revisiones a la música contemporánea gringa; es que Paul hizo unaselección no de los típicos grandes éxitos;sino de canciones un tanto oscuras y desconocidas; así como de la inclusión deun par de nuevos temas escritos para la ocasión y, el la edición de lujo, laregrabación de Baby’s Request”; lacual cerraba el lado B de su ultimo álbum con los Wings, el irregular Back tothe Egg de 1979.

El estilo de todo el álbum es la orquestación de lascanciones con arreglos de jazz clásico; ese que es extremadamente melódico yaunque en un par de tracks aparecen EricClapton y Stevie Wonder; no hay niun remoto eco de rock que cambie el estilo del disco. De hecho, las dos cancionesde la autoría de McCartney y que pretenden ser la diferencia entre este disco ylo hecho por Rod Stewart, están dentro de la misma línea musical del disco. My Valentine (primer sencillo del álbumy de la autoría de Macca) es elsencillo que, aun y con los modernos arreglos de Tommy LiPuma (productor del disco y conocido por sus trabajos con …Barbra Streisand!) y de la excelenteejecución en el piano de Diana Krally su orquesta, suena cursi y tieso.

Concediéndole a McCartney el beneficio de la duda y asumiendo que, realmente, su amor por estasviejas y oscuras canciones sea sincero; eso no basta para lograr conectarse con ellas y aunque esevidente que en la producción y los arreglos se ha cuidado que estos respondana las limitaciones de su ya deteriorada voz, se percibe este ajuste con calzador; lo que le resta naturalidada la interpretación y por supuesto, alejada a la esencia del cantante.

Si, seguramente varios se deslumbrarán con los arreglos deldisco y por supuesto, habrá quienes incluyan este álbum en su colección dediscos para fiestas nice y porsupuesto, los “fans from hell” de losBicles ya habrán puesto a Paul en un nuevo nivel arriba de genio musical; sin embargo y aun y cuando se quisiera hacer unaescucha del disco sin apasionamientos ni ánimos de critica, la verdad es que ala segunda canción el sopor se apodera de uno y aun dentro de su perfectaproducción; no existe una liga emocional con el álbum. Quizás se deba a que, entodo caso, no sentimos afinidad extrema ni por el estilo, ni por las cancionesen si (al menos para muchos de quienesno estamos tan familiarizados con el genero) y a que, la interpretación de Paules, en todo caso, impostada… no es su estilo pues.

Mención aparte se merece el arte del disco que, por mucho,es la peor de todo el catalogo de McCartney. La foto de la portada con un Paulcargando un enorme ramo de flores no augura más que melcocha… eso sin contar elefecto que causa ver los tratamientos faciales del Sir, los cuales lo hacen vertan joven que podría, sin proponérselo,matar del susto a más de uno de sus contemporáneos fans por su aparienciafriki.

Curiosamente, el disco aun no ha “despegado” del todo y el recibimiento tanto de la critica como delpublico ha sido tibio. Las reseñas, principalmente de la prensa gringa, hansido moderadas y es posible que, en el mejor de los casos, pase sin pena nigloria.

Kisses on the Bottomes, en resumen, un capricho postergado de Paul; una auto indulgencia que, comose podría esperar, está requetebonitoy de seguro, podría ser un regalo muy apreciado para tus papas, si es que ellosaun siguen odiando a los Beatles por decir (enpalabras de Lennon) que eran “más grandes que Jesús”; o si eres unadulto contemporáneo (pero moderno) ydisfrutaste de la voz “romántica” deRod Stewart cantando Stardust; este disco será una buenaelección para ponerlo antes o después del de LuisMiguel con Big Band.

Para el resto de nosotros, solo nos queda esperar que esteno sea el proverbial canto del cisnedel señor McCartney y, aunque anunció que ya no haría más giras (después de concluir su interminable “giradel adiós”), al menos su siguiente álbum, sea menos pomposo y mamón. (Susiguiente álbum “nuevo” se anunció para [quizás] finales de 2012).

Bonus track: Aun y cuando no hay un video oficial de “MyValentine” les dejo la misma que se puede encontrar (aun) en Youtube.

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¿Crecerá algún día el rock mexicano?

2012-02-02T11:51:00.000-08:00

Ahora que, por razones que no vienen al caso, estoy (y estaré)de ocioso en mi casa; me puse a navegar por los internetz en un afán de probarme a mi mismo que durante 2011 sihubo grupos, discos o al menos, una pichurrienta canción que, de manera unánime,la comunidad blogera nacional pudiera considera lo mejor del rock mexicano en 201”.

Recorrí algunos sitios de revistas como Marvin, Rolling Stone yotras, donde ciertamente en sus recuentosde los mejor de 2011, hay apartados para la música roquera nacional. Sin embargo,después de revisar los listados, terminé intuyendo los criterios de selección yde quienes confeccionaron dichas listas; quedando claro que sus criterios sonmás proclives a reconocer a sus cuateso amigos de los amigos que algo quede verdad valga la pena.

Considerando que, en esta época digital donde el poder esigual al numero de “likes” que se lepueden dar a tu pagina (si les gusta); opte por revisar lo que sobre elparticular tenían que opinar muchos paisanos que, así como yo, decidieron undía abrir un blog para tirar netas, pitorrearse de los demás, dar sesudasexplicaciones o escribir las pendejadas que se le dieran la gana sobre el rocken general y, en algunos casos, del rock nacional en particular.

Curioso es que, si por ejemplo ponemos en Google “mejores discos de rock mexicano en 2011”la mayoría de las entradas están relacionadas con hacer recuentos no del año encuestión, sino del rock mexicano de todoslos tiempos (sic). Así pues, solo encontré un par de sitios donde se hacíareferencia a lo mejor del rock mexicanoen 2011. Resalta por su originalidad el de http://profetaproducciones.blogspot.com/2012/01/lo-mejor-del-rock-mexicano-2011.html, que se especializa en rock urbano(sic).

Por supuesto que podría haberme guiado por la lista de Reactor (estación de radio del DF) ensus ya tradicionales conteos anuales y aun así llegaríamos a la mismaconclusión: Nada… nada que seamemorable, rescatable o al menos que de indicios de una verdadera intención detrascender más allá de la efímera fama de conseguir un par de tocadas en algúnantro chic de la Condesa.

Quizás la parte medular de esta falta de trascendencia sedeba a la falta de credibilidad, originalidad y sobre todo, perdurabilidad dela obra del rockcito nacional (termino acuñado por Hugo García Michel ensu revista “La Mosca en la Pared”) se debe a que el rock mexicano, tal ycomo se vende en términos de mercadotecnia, no existe. Habrá muchos que en estepunto, habrán ya levantado la ceja, y de seguro empezarán a mentar madrescontra mi por no reconocer la existencia de agrupaciones como Café Tacvba o Caifanes como pilares delrock nacional actual, o de la gran fama que tiene Zoe en estos momentos, o vaya a saber Dios que grupo nuevo “indi” está en estos momentos gozando desus 15 minutos payoleros en su myspace. Algunos, de seguro, estarán asumiendoque niego la existencia de ese movimiento que se llamo Rock en tu idioma y que nos dio agrupaciones como La Cuca, La Lupita, La Castañeday los Amantes de Lola…

Y no, no es una negación de esas y otras cosas que hansucedido a la escena roquera nacional desde la segunda mitad de la década delos ochentas del siglo pasado. Simplemente es que, poniéndolo en perspectiva,el rock mexicano (con sus limitadísimas excepciones) se han estancado deliberadamenteen la perpetuación de la imitación como antídoto ante la falta de propuestasoriginales para la creación de sus obras y también, a alimentar la nostalgiainducida para aquellos que van que vuelan para convertir a los ochentas en loque en su momento, fueron los cincuentas para nuestros padres.

¿De que se trata esto? Simplemente del hecho innegable de quela mayoría de los grupos de rock de la actual escena roquera nacional, sonremedos cada vez más elaborados y sofisticados de la imagen y sonido de gruposingleses y norteamericanos; tropicalizados a la idiosincrasia hispter nacionaly también, de la negación de las vacassagradas del rock mexicano a reconocer la falta de originalidad, talento ycarisma para producir canciones y conceptos que los hagan salir del letargo enel que cómodamente se regodean.

Un ejemplo típico lo anterior, y de las incongruencias ycontradicciones que generan, es el cartel de grupos que estarán en eseescaparate de vanidades y egos que es el festival Vive Latino. Dejando a un lado los grupos de otros países de Hispanoaméricay el absurdo hecho de que quien va a cerrar el festival no es propiamente un “latinou” (sic) la lista de los gruposmexicanos esta repleta de banditas indies desconocidas; pero con actitudeshipermamonas de rockstar consagrado ; grupos que un Vive Latino tocan y otro tambiéncomo La Lupita, Kinky o DLD y como estelares los mismos grupos “grandes” de siempre, como Café Tacvba. Ok, la selección naturales un proceso universal y por supuesto que sería imposible que todas las bandasque día a día nacen en nuestro país lleguen a niveles artísticos y depopularidad de un Café Tacvba; pero es curioso que, pasan los años y seguimosteniendo a los mismos rockstarcitos de siempre: Café Tacvba y los Caifanes; yque también, la gente siga “prendiéndose”con las mismas rolas de la Lupita… las mismas de su primer disco… que parece,son las únicas que todo mundo se sabe.

El panorama no es propiamente muy promisorio para el rockhecho en nuestro país, aunque ciertamente, tampoco esto representa una catástrofe…no en términos económicos, al menos. Sin embargo, de seguir esta tendencia, esposible que nuestra siguiente generación de “rock stars mexicanous” yano quiera cantar en español, hagan covers de alguna canción en ingles, grabesus videos en alguna playa de San Diego California y aunque “orgullosos de sus raíceslatinas (sic)” les de penita que digan son mexicanos… así como los niños estosde los Vazquez Sounds.

En fin!

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De sueños siameses y calabazas aplastadas: (casi) 20 años del Siamese Dream

2012-01-27T18:00:00.000-08:00

Cuenta el propio Billy Corgan en las notas de lasreediciones de sus primeros dos discos, aparecidas a finales del año pasado,que a el su álbum debut Gish [1991] nole gustaba debido a que eran algo así como un grupo que “sonaba a Zeppelin,Sabbath… sin sonido propio”. A pesar delo autocritico que era Corgan con su trabajo, Gish (editado en la disqueraindependiente Caroline Records) fue la carta de presentación que los hizofirmar con Virgin Records, una subsidiaria de EMI. Gish, en su encarnaciónindependiente, no vendió lo suficiente y como parte del trato con Virgin, seedita una nueva mezcla del mismo mas “grunge”. Además, los Pumpkins empiezan adespegar y dejan de ser una bandita "de culto" en Chicago para embarcarse en unagira promocional por todo Estados Unidos y Canadá. Impulsados por el “efectoNirvana”; la prensa gringa les pone el irónico mote de los nuevos Nirvana;principalmente por la ferocidad que despliegan en sus presentaciones; misma quees atizada por el uso de drogas duras como la heroína; de la cual su BateristaJimmy Chamberlain es adicto.

Seguros de que tienen a “la siguiente gran cosa” de la música,Virgin decide que los Smashing Pumpkins serán “su Nirvana” y deciden apoyar algrupo; pero con condiciones. En palabras del propio Corgan, el destino de losPumpkins se definió en una reunión con los ejecutivos de Virgin y ellos. LosP&R de Virgin sugirieron que deberían de grabar un “GIsh II” pero máscomercial. Corgan continua el relato diciendo que, en cierto momento de lareunión, alzo la voz para indicar que si lo que querían era un disco exitoso;no necesitaban otro Gish; entonces, les pidió a los ejecutivos que tuvieranconfianza en el y que le dieran la libertad artística (y el dinero suficiente) paragrabar lo que el grupo quisiera. Después de muchas deliberaciones, Virginacepto pero con la condición de que el disco fuera producido por alguienreconocido; así que la elección no fue muy difícil: Butch Vig; quien entre suscredenciales, además de haberle producido su primer disco, tenía la medalla dehaber producido el Nevermind de Nirvana.

Evidentemente, este espaldarazo no era un cheque en blancopara gastar en lo que se les ocurriera o extender la grabación del álbum eternamente(como el Chinese Democracy de Axle Rose… perdón! Guns’n’Roses!). Virgin fijo unplazo para la entrega del nuevo material; asi que entre diciembre del 92 amarzo de 93 se estableció el plazo para grabar el álbum en los Triclops SoundStudios en Marietta, Georgia.

El grabar en un sitio nada glamoroso como un pueblito enGeorgia tenía un propósito muy claro: Alejar a Jimmy Chamberlain (su baterista)de sus amigos junkies y sobre todo, de los dealers de heroína de Chicago. Este asunto solo era la punta del iceberg. Aun hasta hoy, el propio Corgan se sorprende(no sin cierto cinismo) de que a pesar de tantos problemas, el resultado fue elsonido que el realmente quería para los Pumpkins. Y es que no solo fueron lasadicciones de Chamberlain los que pusieron en entredicho a la banda, sino tambiénel rompimiento de la relación sentimental entre la mamona bajista D’Arcy yJames Iha; el que durante la grabación del disco se perdiera la amistad entreCorgan e Iha y sobre todo, el bloqueo de escritor del propio Billy, resultadode una estado depresivo que incluso, lo llevo a tener pensamientos suicidas.

Se cuenta que un día llegaron a estudio algunos ejecutivosde Virgin para ver que estaban haciendo sus muchachos. Para fortuna de todos, Corgan había terminadoel demo de la primera canción del disco (Today); misma que incluia letras másprofundas y personales, resultado de las sesiones de terapia para atender suataque de nervios. Today fue bien recibida por los ejecutivos; mismos quedieron su bendición para continuar con la grabación; sin embargo, esto nohizo sino meter más presión a Corgan; quien empezó a desarrollar una mania porla perfección; misma que afecto a todo el equipo de grabación. De igual manera,Butch Vig tenía el ingrato trabajo de ver que la producción del disco fuese enlos tiempos acordados.

Es claro que a Vig este trabajo extra de “arriero” no legustaba y que independientemente de eso, su interés era realmente ayudar aCorgan a lograr “su sonido”; mismo quese basaba en una pared de sonido creada por la densidad y reverberación creadapor la estridencia melódica (sic) de capas y capas de guitarras eléctricas principalmente.Se dice que fue tal el perfeccionismo que en una ocasión, Corgan y Vig sepasaron casi tres días produciendo 45 segundos de una sola canción; ya que elresultado no le satisfacía a Corgan. Tanta neurótica perfección termino pordeteriorar las relaciones del grupo; al grado de que D’Arcy renunció al grupopor una semana; Corgan se peleo a muerte con Iha y el buen Chamberlain halló laforma de hacerse de heroína y desaparecer por tres días donde prácticamente yalo daban por muerto.

Al final, el disco se termino con un desfase de tres semanasy con ganas de no volverse a ver de Corgan y Butch Vig; por lo que decidieronque la mezcla del disco la hiciera Alan Moulder; el ingeniero de grabación.

El resultado final fue uno de los discos más memorables detodos los tiempos; tanto por la introspectiva oscuridad de sus letras y fundamentalmenteporque los primeros compases de Cherub Rock ; el primer corte del disco es lamarca de sonido que buscaba Billy Corgan; lo que hace reconocible a losSmashing Pumkins y a la postre, los convirtió en inmortales.

Siamese Dream es un álbum que intercala diversos estilos quenada tienen que ver con lo que se denominó como “grunge”. Es una mezcla salvajede guitarras sobrepuestas en una distorsión exquisita; montadas en un bajopreciso y una batería potente que dan a las canciones una fuerza que pormomentos parece que podrían tirar las paredes de tu casa; pero de igual manera,la estructura de las mismas están afianzadas en un pop melódico donde se asomael punk más feroz, el metal mas ruidoso y tintes de psicodelia y progresivo.Este es un albuim que se disfruta de la primera hasta la ultima canción y quetiene la particularidad que es atemporal; ya que no ha envejecido como suscreadores y se ha convertido en referencia obligada de la historia del rock.

Para festejar el (casí) 20 aniversario del lanzamiento deeste disco, se ha editado una edición especial del mismo que contiene el discocon un excepcional trabajo de remasterización, un disco adicional de rarezas yun dvd de un concierto de 1993 en club Metro de Chicago. De igual manera, estacaja contiene, de manera separada, cada una de las fotografías del arte del álbumy un libreto de fotos, ensayos y la letra de cada una de las canciones.

La mala noticia (al menos para los fans mexicanos) es queEMI solo puso a la venta la versión “sencilla” del Siamese Dream que es solo eldisco remasterizado… que la verdad, esta bastante chafa la edición. Sinembargo, pueden comprar el disco en línea a través de la pagina del grupo o enamazon u otras tiendas en línea por algo menos de 30 dolares (mas gastos de envío,por supuesto) que sin embargo, es siempre mas barato que comprarlo “de importación”(sic) en mixup donde se la maman con elprecio: casi ochocientos pesos!!!! No mamen!

Y comobonus…. CHERUB ROCK!!!!!

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EL ULTIMO TREN DE LA ALEGRIA

2012-01-25T09:24:00.000-08:00

Buñuel decía que “la ilusión viaja en tranvía”; aunque ciertamente, si viviese en estos tiempos de (supuesta) libertad sexual, no sé qué impresión tendría de lo que sucede en los calientes túneles del metro de la Ciudad de México; donde muchos bajan (sin albur) a satisfacer las ansias del sexo anónimo y la sucia emoción de ser y dejarse ser en los brazos, piernas, nalgas y demás partes que la personalísima geografía corporal asigna como puntos de placer y lujuria a los cuerpos apretujados dentro de un humedo y caliente vagón.

En los túneles del metro, como extensión de la vida que sucede arriba, hacemos de cuenta que sucede nada. Es decir, la indiferencia ante los demás es más que evidente en ese espacio reducido. Te pueden asaltar o golpear y nadie vendrá a tu auxilio… aunque de igual manera, si buscas “amor” bastará con que te dirijas al último vagón y entres en el mundo de las metreras.

En realidad, el término “metrera” es relativamente nuevo, aunque su práctica (quizás) date desde la inauguración de este medio de transporte en el DF. Metrear originalmente se definió como la práctica de ligar dentro de las estaciones del metro… y de ahí a donde el destino nos lleve manas!!! (Que por cierto podría ir desde la cama de un hotel, el asiento de un auto o en el peor de los casos, la fría plancha del SEMEFO). Esta práctica fue clandestina hasta relativamente poco (digamos que cuando las jotas empezamos a “empoderarnos”) y por otro lado, para las comadretz mas atrevidas, el practicar el sexo oral, anal o cuando menos, un faje rápido, era el “premio mayor” si las condiciones eran las adecuadas; a saber: Alta hora de la noche; vagón vacío y la calentura suficiente como para mandar los escrúpulos a la chingada y arriesgarse a hacerlo.

Como les decía, hasta hace algunas décadas, el “vagón de la alegría” (que así se le conocía al último vagón de la línea 1 del metro) era más bien un lugar mítico que generó leyendas dentro de la joteria capitalina donde el asombro, el morbo y la curiosidad fue moldeando leyendas como la de la jota insaciable que puntualmente estaba a las 11 de la noche, todos los días, en la estación Insurgentes y que con una sola caída de sus ojos te podría invitar para un viaje de placer de 2 minutos; que era el tiempo que el tren tardaba de cambiar de vía en la terminal Observatorio del metro. Por supuesto que muchos weyes jurarían que la vieron y pocos más, que tuvieron el gusto de compartir el numerito con ella. Lo cierto es que como todas las leyendas, la verdad era a veces más prosaica que la fantasía tejida alrededor del hecho… hasta hace poco.

De un tiempo para acá, la fantasía del sexo gay ocasional y furtivo dentro de los vagones del metro dejó de ser un mero mito a una realidad que sobrepasa incluso lo que uno podría pensar como “posible” en un espacio como tal y sobre todo, a la vista de tanta gente. Bienvenidos al reino de la cajita feliz… bienvenidos al mundo de las metreras.

Las metreras ya no son los cazadores de hombres que discretamente, se escondían en los andenes del metro para furtivamente lanzar con miradas indiferentes códigos secretos que solo los entendidos podrían descifrar. Eso ya es cosa del ayer y ahora, las metreras se organizan para convertir el último vagón en lugar de los más intensos juegos sexuales y si se puede, improvisado set de filmación de anónimas estrellas porno gay. Algunas de estas profesionales del sexo en el metro exhiben sus “triunfos” ya sea dejando correr su fama en los antros gays de moda y otras, colgando videítos en páginas de sexo gay.

Dicen que cuando algo se vuelve muy popular deja de ser divertido y este es el caso del metreo. Actualmente, de tan popular ha caído en los excesos propios de la decadencia y resulta obvio que incluso, dejo de ser algo espontaneo para convertirse en provocación barata o incluso, en perversión. Por ejemplo, alguna comadretz me ha referido las “hazañas” del joto que se faja a escuincles de secundaria… a las 12 del día, pegado a una de las puertas del vagón, a la vista de quien lo quisiera ver.

Por esa razón, el Gobierno del DF y la administración del Metro, tomaron hace tiempo la decisión de que, a partir de las 9 de la noche al cierre, se ha prohibido el acceso a los últimos vagones del metro; como una medida precautoria para evitar, dentro de lo posible esta práctica.

Por supuesto que esto ha generado reacciones y polémica. Por un lado, ciertos colectivos de jotitas pusieron el grito en el cielo porque consideraban que sus derechos estaba siendo afectados; ya que según ellas, el cerrar el ultimo vagón era un claro acto de homofobia (por supuesto que las comadretz se hicieron de la vista gorda sobre lo que “realmente” estaba pasando en dichos espacios) y se sintieron agredidas porque, a según de ellas, el siguiente paso, era prohibirles la entrada al metro.

Y por otro, fue la reacción de varias organizaciones católicas que encontraron en este acto una razón más para atacar a los jotos vía la descalificación sistemática de que nuestro “estilo de vida” nos impide la convivencia con los demás y que considerando el peligro que somos (para los heteros, claro está) el gobierno decidió cerrar ese vagón del metro… con las consecuentes molestias para todos.

A la molestia e indignación de las jotas que ven en esto un acto de homofobia, les diría que creo que ya es tiempo de que le empiecen a bajar dos rayitas a sus pretensiones de sentirse a cada rato como Juana de Arco a punto de ser quemada como mártir. No por el hecho de que hayamos obtenido en los últimos años reconocimiento y cierta tolerancia eso implica ponerse estúpidas y pensar que en todo lo que se hace (en apariencia) contra nosotros hay un tinte de homofobia. En este caso, simplemente se trata de que el metro no es como las “casitas” o cuartos oscuros y que simplemente, no están diseñados para tener sexo dentro de sus instalaciones.

Sin embargo, no se le puede poner diques al mar y mucho menos a aquellos que sienten una adicción por el sexo en lugares extraños. Posiblemente, en algunos años, el sexo gay en las oficinas de gobierno sea lo que este de moda … si no es que ya sucede!

[Publicado originalmente en Blog.com.mx el 14 de febrero de 2011]

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Queen: Days of our lives

2012-01-09T08:39:00.000-08:00

Como recién mencionamos en el post anterior; en 2011 se “celebró” (así, entre comillas) el cuarenta aniversario de la formación de la banda británica de rock Queen con diversos eventos y por supuesto, el relanzamiento de prácticamente todo su catalogo de álbumes (excepto algunos en vivo), una exposición de fotos, libros y, casi fuera de programa, la transmisión en la BBC de un documental sobre la banda. Estas “festividades” pasaron (al menos en Estados Unidos, gran parte de los países hispanoparlantes y por supuesto, México) prácticamente desapercibidas debido principalmente a la falta de una campaña de promoción a la altura de la celebración por parte de su nueva disquera (Universal/Island); la cual, al menos en nuestro país, solo editó las nuevas ediciones del catalogo de Queen (las cuales, en cuanto a diseño están horribles) y a finales de año, lanza en DVD y Bluray el documental de la BBC “Days of our lives” casi por mero compromiso y absolutamente nada de publicidad… vaya! Ni un pinche anuncio o mención pagada en circulo mixup! (Nota al calce: según Brian May y Roger Taylor, el trato con Universal fue el mejor posible que pudieron hacer… ya quisiera yo saber como era el “peor”).

Este documental de dos horas de duración y que se transmitió en dos partes durante mayo de 2011; narra de manera condensada (y a veces demasiado superficial) la historia de la banda a través de la recolección de memorias y anécdotas armadas dentro de una estructura cronológica contada, principalmente, por Brian May y Roger Taylor (Guitarra y Batería de Queen) a través de nuevas entrevistas realizadas exprofeso para este documental; así como una extensa recopilación de notas de prensa, televisión; presentaciones y, por supuesto, entrevistas antiguas de la comadretz Mercury y de John Deacon; bajista del grupo el cual, por cierto, se ha negado sistemáticamente a volver a aparecer de manera publica; ya sea en solitario o como parte de lo que queda de Queen. Adicionalmente, incluye algunas otras entrevistas con personajes clave en la historia de Queen, como ex managers, roadies, productores y una que otra celebridad.

Esta no es la primera vez que se realiza un documental “oficial” de la historia de la banda. El primero es el (ahora) legendario “Magic Years” (1987) que era un documental publicado (hasta ahora) solo en tres VHS los cuales; a pesar de haber estado producidos y dirigidos por Rudi Dolezal y Hannes Rossacher; (un par de alemanes bastante mediocres que sin embargo, fueron los encargados incluso de la filmación y grabación del “Live in Wembley ‘86” y otros productos videograficos de los Queen) es el documental más completo de la banda. Posteriormente, y en coincidencia con el lanzamiento de Made in Heaven ultimo disco en estudio de la banda que fue publicado en 1995 se edita un documental de homónimo titulo que resulta ser una reedición condensada y aumentada del Magic Years que incluye una nueva sección dedicada a los últimos días de Mercury dentro de Queen; su fallecimiento y el posterior concierto tributo efectuado en el estadio de Wembley en 1992. Hasta la fecha, este documental solo estuvo disponible (oficialmente) en VHS y algunas copias que se prensaron en Laserdisc y no hay noticias de un relanzamiento de estos documentales en DVD o Bluray y muy probablemente, no lo habrá.

Con esta expectativa uno podría esperar que este “Days of our lives” podría ser una segunda refriteada de material ya existente; sin embargo, es grato ver que, en todo caso, la BBC prefirió una visión más actualizada de los hechos contada por los únicos protagonistas que aun pueden contar la historia: Roger Taylor y Brian May y utilizando una técnica similar a la de la “Antología de los Beatles”; la continuidad de la narración intercala entrevistas antiguas de Mercury y Deacon; dejando el que documental fluya de manera agil. La dirección corrió a cargo de Matt O'Casey; documentarista (casi) desconocido de TV, el cual ha realizado trabajos para Blondie y Fleetwoodmac y los Beach Boys.

La primera parte corresponde al perido 1971 a 1979; periodo donde se gestan los mejores álbumes de la banda. La parte dos, abarca el periodo de 1980 a 2011, donde se hace reseña los años de mayor éxito mundial de Queen; del como se enteraron y afrontaron los problemas de salud de Freddie causados por el VIH; su muerte y finalmente, del porque decidieron May y Taylor continuar explotando el nombre de Queen hasta nuestros días.

Si hay algo que diferencia a este documental de sus predecesores (e incluso de algunos “no autorizados” que en años recientes se han publicado) es el correcto balance narrativo de la historia; sin que haya una intención a hacerlos ver como héroes o dioses incapaces de cometer errores; pero tampoco una apología de detalles sórdidos, escandalosos o incluso, de mal gusto.

Este es quizás uno de los aciertos del documental; ya que nos permite conocer aspectos muy íntimos de los Queenies dentro del contexto de su historia.

Sin embargo, después de haber visto este trabajo, afloran algunos aspectos que, sin demerito de la calidad del trabajo final, si generan cuestionamientos que han dejado insatisfechos a algunos fans. Quizás el más notorio es que, considerando la talla de una banda como Queen, se haya dejado el trabajo de contar la historia del grupo a un mero especial de televisión de solo dos horas de televisión.

Para quitar este mal sabor de boca, la edición en DVD y Bluray del documental vienen cargados con casi otra hora adicional de información y varios videos “alternos” de canciones famosas de Queen; aunque lo que si es imperdonable es que el audio del documental sea … estéreo!

Aun con todo, este es un documento que vale la pena ver y por supuesto, conservar en nuestra videoteca… seas o no “fan from hell” de Queen.

Aquí el tráiler del documental

(Disponible en su mixup mas cercano, tianguis del Chopo y con su vagonero de confianza; por si la cuesta de enero solo le deja comprar "respaldos piratitas")

Feliz año!

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No Alternative, No Commercial, No Grunge (parte 3/3)

2011-12-27T17:28:00.000-08:00

Parte 3: This is the end...

En las dos entregas anteriores, abordamos el suceso de dos bandas emblematicas de lo que la mercadotencnia denomino como "Grunge"; termino que, visto a la distancia, resulta añejo y pasado de moda. Sin embargo, Nirvana y Pearl Jam; con sus puntos a favor como músicos y voceros de una generación que (en su momento) parecía perdida y también con sus errores, estancamientos y hasta repeticiones del mismo sonido fueron lo más visible y comercial de este estilo que dejó no solo una estela de buenas canciones, algunos albumes memorables y otros interpretes disgnos de destacar como Soundgarden, The Afghang Wigs o los mismisimos Mudhoney (que aun siguen vigentes); sino una nueva manera de abordar los nuevos estilos que se desarrollan dentro del rock y que ahora, tienen la etiqueta de "indies".

De los circuitos de clubs, bares y pequeñas salas de concierto salen los nuevos "rockstars" que sueñan con comerse el mundo a puños vía el "descubrimiento" de algún A&R de alguna compañia disquera grande que se haya interesado en ellos vía de algún disco o demo publicado en algúna compañia independiente o, en estos días de alta tecnología, a través de su myspace, fesibuc, yutub, et all.

Es decir, la música "independiente" ya no lo es tanto debido a que esquemas de comercialización como los de Subpop; con su toque tan artesanal; fueron copiados y mejorados por las propias compañias disqueras, las cuales comenzaron a "sembrar" sellos discograficos "independientes" para atraer, cual moscas a la miel, a los grupos nuevos que pronto se convetirian en la los proximos lanzamientos estelares de las compañias de discos.

Caso claro es el de Bush; grupo ingles que, copiando todos los cliches del estilo "grunge", mezcló baladitas y sonidos más domesticados para el oido promedio adolescente; logro un exitos importantes aunque no solo por la música; sino por la imagen sexualmente vendible de su cantante, Gavin Rossdale; o cosas como Collective Soul, quienes bastardearon el sonido pesado de Pearl Jam hasta volverlo un revoltijo pop que con sus bien logradas armonías, distrosionó la essencia del movimiento hasta dejarlo en nada.

Sin embargo... este es el ciclo natural del rock; donde los nuevos sonidos son tomados, domesticados y vendidos a las masas para su consumo. El grunge tuvo la "distinción" de ser además, arquetipo de moda juvenil y referente cultural de un momento dificil no solo para los veinteañeros gringos; sino para muchos mas en otras partes del mundo que se encontraban con el desencanto de estar estancados en un mundo consumista, viviendo en casa de sus padres y sin ningú (aparente) objetivo en la vida.

El tiempo probó que, a pesar de todo el pesimismo que rondaba a la generación X, para la mayoría de los "loosers" que inmortalizo Beck en su famosa canción del mismo nombre, el sentimiento se diluyó cuando, ironicamente, la generación X se casó, tuvo hijos, responsabilidades y gustosa, se tiró de cuernos a una vida parecida a la de sus padres encontrando el santo grial de su generación en las promesas engañosas de la internet.

Sin embargo; nada es para siempre y parece ser que la revancha de los "no ideales" de la epoca grunge, han regresado con un desencanto brutal en la figura de los "indignados"; esos manifestantes que han perdido la fe en el pilar del capitalismo moderno (el sistema financiero mundial) y a través de sus protestas han decidido hacer presente de nuevo el sentimiento de que el futuro no existe y que la vida actual es una reverenda mamada... igualito que en los tiempos del gronch. Sin embargo, a diferencia de el movimiento musical de seattle, aun los indignados no han tenido una voz que, através de sus canciones, de algún sentido a su lucha social.

... posiblemente, esos nuevos rockstars están ocupados en aparecer en MTV...

Bonus track: Looser, de Beck.

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No Alternative, No Commercial, No Grunge (Parte 2 de 3)

2011-11-05T10:48:00.000-07:00

Parte 2. Sin fecha de caducidad: Pearl Jam y sus 20 años.

En la entrega anterior, comentábamos acerca de la debaclecasi instantánea del gronch al salir al mercado el disco que lo hizo accesiblea las masas: Nevermind, de Nirvana; donde su exposición excesiva tanto deimagen como de música ocasiono una explosión de agrupaciones grunge; lamayoría de ellas, creadas por las propias compañías de discos.

Sin embargo, sería injusto el etiquetar a todos los gruposque surgieron posteriormente al Nevermind como meros imitadores o arribistas;aun y cuando algunos ya tenían tiempo dentro de la escena musical nativa deSeattle.

El caso más claro de este fenómeno, es Pearl Jam; a quieneslos más rabiosos críticos de las revistas musicales que se sumaron almovimiento grunge (y que proclamaban haber sido los primeros en descubrirlo;como la infame Smash Hits) los calificaron de oportunistas cuando en el 92,su disco debut Ten (Epic, 1991) se encumbró en las listas de popularidadgracias a sus exitosos sencillos Even Flow, Alive y por supuesto, esa odaoscura al bullyng y las familias disfuncionales que fue Jeremy.

La excesiva exposición de Pearl Jam en los medios; impulsadapor el fenómeno Nevermind de Nirvana les generó tanto legiones de fansalrededor del mundo como odios incluso en las propias agrupaciones nativas deSeattle. Para muchos, era claro que Pearl Jam era un grupo artificial queexplotaba mejor que el promedio de bandas la estética Grunge gracias al carsima ypresencia de su vocalista, el californiano Eddie Vedder. Incluso hubo quienes erróneamente asumen que Pearl Jam esun grupo de California que se fue a Seattle para generar fama.

Quienes acusaron en su momento a Pearl Jam, fueron quienesprecisamente se montaron en la ola Grunge para aprovecharse de ella; ya que sibien es cierto que Vedder no es de Seattle, todos los demás miembros del gruposi lo eran e incluso, como comentábamos en la entrega anterior, Stone Gossard yJeff Ament formaron parte de Green River y Mother Love Bone, dos de las bandasmás influyentes del estilo Grunge en su momento.

El odio a Pearl Jam viene a cuento porque incluso el propioKurt Cobain los despreciaba por considerar que los PJ había bastardeado laescena musical de Seattle al ofrecer ganchos más comerciales en sus discos y con esto,mejor aceptación de su música; además de que en general, comentaba con un dejo de ironía que "le parecíanbastante limpios y buenos tipos… sobre todo Eddie Vedder”. Adicional a esto,Cobain consideraba que PJ era la versión 90’s de Lynyrd Skynyrd (una banda derock “redneck” de los Estados Unidos) o peor aún... los comparaba con Genesis!(esto de acuerdo a sus declaraciones a la prensa Argentina en Octubre de 1994,en su primera y única visita a ese país).

Aun con todo lo anterior, los de PJ siempre han sido, ante todo, unabanda bastante coherente y sobre todo, ha sabido mutar su sonido hacia unrock más atemporal donde mucho tienen que ver una de sus influencias másgrandes: The Who. Sin embargo, se necesita más que eso para mantener unida auna banda por tantos años y de igual manera, tiene que ver con la madurez conque los integrantes se han compenetrado no solo como músicos, sino como amigosy sobre todo, en evitar que los egos sean más importantes que el trabajo enconjunto de Pearl Jam.

Esto, por si mismo, es la gran proeza de PJ a lo largo desus 20 años como grupo: El que aun sean un grupo donde cada quién tiene clarocomo participa, como aporta y sobre todo, como deciden el rumbo de la banda. Esclaro para quienes hemos asistido a varios conciertos de PJ que ellos disfrutanlo que hacen y que de verdad tienen un aprecio por sus seguidores; tan es asíque prácticamente cada concierto que han tocado es diferente; no solo por los “setlist” sino por los cambios que pueden hacer en sus canciones de una noche aotra.

Por supuesto que la historia de PJ ha estado también ensombrecidapor tragedias y que curiosamente, el nacimiento de Monkey Blaylock (el primernombre de la banda) haya sido a raíz de la muerte de Andrew Wood por unasobredosis de heroína y que este hecho, de alguna manera haya hecho madurar alos restantes miembros del grupo sobre los peligros de los excesos de la vidadel rockstar promedio. Quizás por esa razón, PJ no sea un nombre que se asociea las adicciones de sus integrantes; aunque si por sus posturas ideológicas y también,por las contradicciones que estas generaron; como su memorable pleito conTicketmaster sobre el excesivo costo de sus boletos y de cómo esto afectaba a susfans; situación que finalmente fue solucionada no con una rebaja en el costosde sus entradas, sino en la posibilidad de que, al menos, los fans de PJpudieran adquirir, de forma preferencial, las primeras entradas a sus conciertos.

Sin embargo Pearl Jam sigue con vida y, quizás de manera pordemás irónica, pudieron lograr lo que en su momento Kurt Cobain tanto ansiaba:El equilibrio entre libertad artística y fama.

Pearl Jam cumple 20 años de carrera y lo festeja con unagira mundial que tocará de nuevo nuestro país a finales de este mes denoviembre, además de un libro (Pearl Jam Twenty) y un documental dirigido por CameronCrowe (Pearl Jam 20) y un disco recopilatorio de rarezas del mismo film (PJ20).

Si bien ahora Pearl Jam se ve más como una banda madura derock, aún conserva mucho de esa energía salvaje de sus primeros años como la “cenicientadel Grunge” y ha esto le ha valido su permanencia por (esperemos) otros 20 añosmás.

Aquí, el tráiler de Pearl Jam 20.

¿Cuál fue la herencia del Grunge, entonces? Ah! eso loplaticaremos en la siguiente (y ultima) entrega de este especial…

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No Alternative, No Commercial, No Grunge (parte 1)

2011-10-30T17:46:00.000-07:00

Introducción:

Douglas Coupland escribió, sin proponerselo, el que es quizás el último manifiesto social de la decada pasada, en forma de novela. "Generación X" (1991) es la obra donde Coupland hace una critica acida y mordaz contra el estado de animo, conciencia, estilo y sobre todo; la forma en que la vida moderna se asimila por la juventud gringa de finales de los ochentas en la forma de reflexiones sobre la vida de 3 veinteañeros gringos que viven juntos en un conjunto residencial en el desierto de Mojave, California donde tratan, por un lado, de darle sentido a su vida y por otro, pasarse el tiempo criticando y quejandose de la vida que les toco vivir pero sin el menor intento de renunciar a las comodidades propias de su clase social.

Esta narrativa ficticia se convirtió en una "declaración de no-principios" de una generación que, gracias a la TV, el internet, la comida chatarra, la ropa de marca, los lujos instantáneos, las familias disfuncionales y sobre todo, la cinica estetica consumista que nos rodea de forma global; vivía una existencia aburrida, apatica y sin una real conciencia de que hacer con sus vidas.

Andy Palmer, Claire Baxter y Dagmar Bellinghausen (los protagonistas principales de este relato) representan el sentir de la primera generación que creció con todas las comodidades materiales y tecnologicas de la vida moderna (tal y como la conocemos hoy) y que se encuentran en la constante contradicción entre la apatía y la necesidad de seguir conectados con todo aquello que (aparentemente) odian y que sin embargo, forman parte de su vida; aun en su relativo "alejamiento de la vida material".

Coupland, quién es de nacionalidad canadiense, posiblemente jamás tuvo en mente el escribir su libro pensando que este se convertiria, sin quererlo, en sinonimo de un movimiento musical que, curiosamente, en 1991 tuvo su momento de mayor trascendencia comercial y cultural: El Grunge.

Parte 1: "Touch me, I'm Sick"

Contrario a la creencia popular; el Grunge, como estilo musical, no nació el día en que "Smell Like Teen Spirit" entró (como video) en la alta rotación de MTv en 1991. Tampoco cuando Nevermind (1991, Geffen Records) fue certificado como disco de oro por su millon de copias venidas ni tampoco cuando despues del éxito del Nevermind, la escena musical comercial se innundó de grupos Grunge como Pearl Jam, Soundgarden, Los Stone Temple Pilots o Mudhoney.

En realidad, las raices del Grunge vienen de inicio de los ochentas con grupos como el propio Mudhoney, los Melvins y un par de grupos seminales para el sonido de Seattle: Malfunkshun y Green River.

Malfunkshun fue un grupo de hair metal punk que lideraba Andrew Wood . Malfunkshun tenía un sonido pesado, con influencias de Kiss y una actitud algo punk. Sin embargo, la adicción de Andrew a las drogas disolvió el grupo a mediados de los ochentas, para reformarlo al poco tiempo bajo el nombre de Lords Of The Wasteland y posteriormente, como Mother Love Bone. Esta nueva alineación incluye a Jeff Ament y Stone Gossard. Estos musicos habían tocado tambien en otro grupo importante para el desarrollo de la escena musical de Seattle: Green River, mismo que incluia a Mark Arm y Steve Turner, ambos miembros de Mudhoney.

Con Mother Love Bone y Green River, se dan los cimientos formales de lo que posteriormente se conociería como Grunge y que estaba fundamentado en un una mezcla entre la pesadez del heavy metal, la rapidez y distorsión en las guitarras, el uso de melodías cuasí pop y letras donde practicamente el mensaje era que todo era una mierda y donde nada valía la pena... más que beber, echar desmadre y pitorrearse del "stablishment"... pero sin salirse de el.

El desarrollo del Grunge está tambien ligado a Sub Pop; disquera independiente que comercializaba, via correo, las grabaciones de la escena de musica "no comercial" no solo de Seattle, Washington; sino de otros estados. Los tirajes de Sub Pop eran limitados y generalmente en casette y vinyl (mismos que hoy son altamente cotizados por los coleccionistas) y de manufactura casi artesanal. De igual manera, gran parte del exito de la "estetica grunge" tiene que ver con el trabajo del fotografo Charles Peterson; quien a través de sus fotografías en blanco y negro de la escena musical de Seattle. Esta estética particular de fotografias sobre expuestas y "borrosas" le dió un aura mistica al movimiento musical de Seattle y hasta nuestros días, sus fotos están indivisblemente ligadas al "gronch". El trabajo de Peterson se puede apreciar en su sitio web http://www.charlespeterson.net/ .

Aun con todo, la escena musical de Seattle estaba lejos de convertise en punto de atención mundial debido a que, en todo caso, era aun muy local su influencia. Ante este panorama, Michael Azzerad, un periodista musical "alternativo", convence a Bruce Pavitt, cofundador de Sub Pop a realizar un trabajo de difusión internacional del movimiento musical de Seattle, principalmente en Inglaterra; donde consigue, entre otras cosas, que el mitico e influyente DJ John Peel se interese en el movimiento; grabando para su programa de sesiones para la BBC a algunos grupos del catalogo de Subpop como Mudhoney y Velocity Girl.

De esta forma, la maquinaria se empieza a mover y el Grunge deja de ser un movimiento local para adquirir su estatus de movimiento musical global. Lo anterior, por supuesto que atrajo la atención de las grandes compañias de discos que empezaron a fichar a actos "alternativos" como Soundgarden (el primer grupo grunge firmado por una gran compañia), Alice In Chains, Pearl Jam y por supuesto! Nirvana.

El caso de Nirvana es por demás singular; considerando que no necesariamente era "el grupo" representativo de la musica de Seattle; aunque si el que tenía una idea mas clara sobre lo que quería hacer, musicalmente. El sonido de Nirvana es una mezcla clara de las influencias de sus integrantes que iba desde la pesadez de Black Sabbath, el punk agresivo californiano, el interes por las melodías de los Beatles, el uso casi salvaje de la guitarra a la Sonic Youth y la facilidad de construir melodías filosas como los Pixies; entre otros. Adicionalmente, la enigmatica y a veces criptica forma de escribir de su lider Kurt Cobain más su innegable carisma, hacían de Nirvana un diamante en bruto que solo requería limar unas cuantas aristas para convertirse en el estandarte de la "musica alternativa" y a su lider el mesías renegado de una juventud falta de idolos que verdaderamente fueran "reales".

Nirvana firma con Sub Pop y graba un par de sencillos antes de pasar a crear su primer LP "Bleach" (Sub Pop, 1989) bajo la producción de Jack Endino, el cual es para muchos, uno de los creadores de ese sonido tan peculiar de los grupos Grunge. Con Bleach, Nirvana empieza a tener reconocimiento casi instantaneo y un culto subterraneo que va practicamente de boca en boca a partir de sus explosivas y caóticas presentaciones. Además de Cobain, Nirvana estaba formado por Chris Novoselic en el bajo y Chad Channig en la batería; sin embargo, Channing abandona el grupo por "diferencias religiosas"[sic] (según lo comentaron en la revista Smash Hits los otros miembros del grupo) poco antes de las grabaciones de su siguiente disco; siendo sustituido por Dave Grohl.

Cobain, para ese momento, empezaba a resentir lo que sería una constante posterior en su carrera: El acoso de la fama y las contradicciones que eso implicaba en su visión como artista y persona. Y es que el exito de Blech llamó la atención de Geffen Records; quienes inmediatamente los ficharon y de alguna manera, los presionaron para la realización de su siguiente trabajo.

Nevermind sale al mercado en 1991 y ayudado por la extensa publicidad alrededor del mismo, se convierte en un exito comercial para Nirvana y en la proverbial "piedra de toque" que abre la puerta a las masas a un movimiento musical que pronto sería copado por los medios, las compañias de discos y... la moda.

Cameron Crowe, filma en esos años "Singles" una comedia semi amarga sobre la vida de varios jovenes viviendo en Seattle y donde, de alguna manera, se retrata el estilo de vida de los musicos Grunge al aparecer algunos miembros de Pearl Jam y Alice in Chains. "Singles" estuvo un tiempo enlatada porque, a decir verdad, fuera del contexto "Gronch" no tenía un gancho comercial del cual poder asegurar al menos los gastos de producción. Sin embargo, con el "boom" de Nervermind, Paramount decide lanzar la pelicula y se convierte en un exito en taquillas; cautivando sobre todo por la "estetica" de los trapos utilizados por los personajes.

Y asi es como laas camisas de leñador, las bermudas baratas, las botas Doc Marteens y en general, cualquier prenda que pareciera "casual y desaliñada" entran dentro del imaginario grunge. La influencia es tal que el Grunge está en todos lados: Desde la Tele hasta los periodicos respetables; pasando (por supuesto) por canales como MTV quien literamente arranca de sus programas "de culto" como "120 minutes" o "Headbangers Ball" a estos desconocidos grupos hacia su rotación diaria.

La debacle del movimiento, viene precisamente por esta sobre exposición del mismo; llegando incluso a generar que muchos músicos emigraran a Seattle para hacerse pasar por "bandas grunge" y tambien, porque la propia industria, comenzó a generar sus propias bandas Grunge con un sonido bastardeado y cinicamente comercial; en un afan por abarcar más mercado.... pero de eso platicaremos en la siguiente entrega.

Y para documentar un poco esos años de explosión a la fama de Nirvana y el Grunge, les dejo el trailer del documental de Nirvana Live! Tonight! Sold Out!

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Star Fleet Project - Brian May + Friends

2011-10-22T22:25:00.000-07:00

Ó Brian May y los cuates de la chamba...

"Oyes gorda (sic); quesque hay un disco solista de Brian May con Eddie Van Halen?- Me pregunto cierta vez un joto amigo mio; entachado y hasta su madre de vino tinto. "Claro que si existe; aunque la verdad, poca gente sabe de el"- le respondí tratando de evitar el tufillo de su aliento de alcoholica. "Ay pinche gorda mentirosa! Con tal de no quedar mal; te inventas esas cosas!"- Me respondío la estupida esa al mismo tiempo que se deba vuelta para en seguida ponerse a bailar, como poseida, "Pump Up The Jam".

Esto pasó en 1989 y desde entonces, más de una persona me ha preguntado sobre si existió tal colaboración y como es que practicamente nadie sabe de ese album.

La realidad es que solo los "fans from hell" de Queen pueden asegurar con firmeza que tal trabajo existe y por supuesto! tienen una copia del mismo para comprobarlo.

Para saber el porque de tan peculiar (e irrepetible) "jam session" que terminó convertida en un disco oficial; es hora de abrir el baúl de las rarezas del mundillo del rock; ese mismo que cuenta historias que no sirven para una chingada en la vida... ah! pero como nos emociona escuchar!

"Erase una vez que...."

Es un lugar común entre los criticos amargados de rock (esos que el veneno de la envidia les escurre por los dedos y terminan de vacas sagradas en la Rolling Stone o en la "Les Inrockuptibles") el decir que en Queen "Freddie Mercury escribía los éxitos; John Deacon las reflexiones; Roger Taylor las frivolidades fresas y Brian May, las canciones estupidas."

Lo anterior, especificamente, se aplicaba debido a que, desde 1977; Queen se había estancado musicalmente y practicamente sus siguientes albumes eran "basura pop": bien hecha; pero basura al fin.

Donde finalmente cayeron de la gracia, no solo de la critica; sino tambien de muchos de sus fans, fue cuando editaron en 1982 el irregular "Hot Space". Para compensar las perdidas; los Queenies se embarcaron en un tour extenuante por Europa, Estados Unidos, Canada y Japón durante 1982. El tour tuvo gran exito en Europa y Japón y algunas fechas en Canada; no así en Estados Unidos donde tuvieron un éxito moderado.

Hacia dentro del grupo tambien las fricciones eran evidentes y, aunque nunca ventilaron sus diferencias personales y como grupo, la prensa especulaba sobre el futuro de la banda, diciendo que este cambio de dirección musical hacia el funk y la musica bailable eran obra de Mr. Mercury; y que muy probablemente, sería el preludio de la desintegración de la banda; mismo que ya se había pronosticado con la salida de "Fun In Space" (1981); disco solista del baterista Roger Taylor (mismo del que hablaré en otra ocasión).

Lo cierto es que, musicalmente, Queen estaba en un periodo gris de inspiración y, al terminar el Hot Space Tour el 3 de noviembre de 1982, decidieron tomarse un descanso e irse cada quién por su lado un rato.

Mr. Mercury se dedicó un tiempo a disfrutar de la vida de rockstar entre Nueva York, Berlin y Tokio; Mr. Taylor le dió vuelo a la hilacha como todo un "rocker socialité" en Londres; John Deacon se fue con su familia a recluirse en alguna de sus propiedades y Brian May... bueno! el pobre Haroldo no tenía gran cosa que hacer mas que ver la tele con su hijo James y ocasionalmente, afinar su guitarra.

Cuenta el propio May que en una de esas tardes viendo la tele con su hijo, se "clavo" con un programa de manofactura japonesa; muy en el estilo de animación de los famosos "Thunderbirds" (la serie inglesa de ciencia ficción sesentera donde se utilizaban marionetas); y que se llamaba, en su versión doblada al ingles, "Star Fleet" (Originalmente, en Japón, se llamaba "X-Bomber" ) [Si preguntan sobre si esta serie pasó en México, la respuesta es: "NO"] y de lo poco que se puede ver de la misma en You Tube, podríamos decir que era algo así como un hibrido entre Voltrón y la Guerra de las Galaxias... saque usted sus conclusiones del resultado.

Además de que May se clavó en la trama, lo que más le gustó fue el tema de entrada de la serie; misma que fue escrita por el ingles Paul Bliss. Tanto le gusto que decidió hacer su propia versión del tema y un día que andaba por los Angeles, sin mucho que hacer, se dió cuenta que con solo unas cuantas llamadas telefonicas, podría conjuntar a algunos de sus amigos para grabar su versión de Star Fleet. Al final, se agendó una sesión de grabación para los días 21 y 22 de abril de 1983 en los mitícos Record Plant Studios en Los Angeles.

Para tal proposito, reclutó a algunos de sus cuates músicos que tradicionalmente concurren en los backstages para hablar de música y echarse flores mutuamente (entre otras "cositas"). La alineación incluía a Alan Gratzer, baterista de REO Speedwagon, Phil Chen, bajista de sesion de Rod Stewart; Fred Mandel, tecladista que acompañó a Queen en el Hot Space Tour y finalmente, el "nuevo heroe de la guitarra" [de los ochentas]: Eddie Van Halen. Sobre el particular, era bien conocido el respeto y admiración que sentía Eddie por la forma de tocar la guitarra de Brian May [Ya saben amiguitos: El estilo "relinchador"] y de igual manera, May estaba sorprendido por el feeling y habilidad técnica de Eddie; sobre todo por la forma en que revolucionó (en los ochentas) el "tapping" a dos manos sobre el cuello de la guitarra; además de la asombrosa velocidad de su forma de tocar.

En la sesión del 21, se hicieron los primeros ensayos de "Star Fleet" y las pistas basicas del mismo; quedando terminada la canción ese mismo día. Sin embargo, conforme pasaron las horas, los músicos relajaron y se pusieron a tocar algunas canciones de blues; mismas que, una vez ya compenetrados en el mood del momento, generaron una sesión de improvisación que decidieron grabar de manera formal al día siguiente.

"Blues Breaker" fue el nombre que le dieron a esa sesión de improvisación y esta dedicada a "E.C.", es decir, Eric Clapton. músico del que May y Van Halen sentían profunda admiración. Como punto final de la sesión, May decidió grabar otra canción y para ellos utilizó una que muy probablemente, había sido rechazada del último disco de Queen y cuya letra (de verdad estupida) se ajustaba perfectamente al estilo que estaban creando los cuatro musicos en ese estudio de Los Angeles. "Let Me Out" fue la última canción que se grabó ese día en pocas tomas y posteriormente, se procedió a hacer la mezcla "cruda" de todas las canciones grabadas. Los musicos quedaron encantados con el resultado; principalmente May quien consideró estas sesiones como "una de las mejores experiencias de su vida"; posiblemente porque se trataba solo de grabar por el placer de hacerlo, sin ningúna otra razón mas que el pasarla bien.

Acorde con las notas del propio May (publicadas en la contraportada del disco en cuestión) este no tenía la intención de sacar el material a la venta; aunque si tocó las cintas a mucha gente; mismas que le "urgieron" que las editara y pusiera a la venta.

"Tanta la insistencia y poca la resistencia" de May hicieron que revisara de nuevo las cintas; hiciera un poco de edición en las mismas y le pidiera a Roger Taylor una ayudadita en los coros de Star Fleet; y así, en octubre de ese mismo año, se edita el mini elepe "Star Fleet Project" bajo la autoria de "Brian May + Friends"

Star Fleet fue el sencillo prompocional del trabajo e incluso, se grabó un video del mismo. Sin embargo, comercialmente, el album fue un fracaso; visto solo como una "capricho curioso" de un rockstar (May) que no sabe que hacer con su dinero".

En México se editó este trabajo; quizás por el "boom" que todavía generaba la primera (y unica) visita de Queen a nuestro pais. Si te interesa tener una copia del disco; aun circulan en el chopo copias de esa edición nacional de Starfleet que pueden alcanzar precios hasta de tres mil devaluados pesillos... ni que decir de las copias Inglesas o las codiciadisimas ediciones japonesas del album!

Por otro lado (tristemente) el disco está descatalogado y aunque a la fecha no se ha reeditado en CD en su formato original de 3 canciones; estas pueden ser encontradas en varios sencillos posteriores de la carrera solista de Brian May o en una edición japonesa estrictamente limitada que, reensamblada como "mini-lp" contiene las tres canciones originales más otras siete de la carrera solista de May,

Sin embargo, en la red se pueden encontrar estas canciones en descarga corsaria... nomás es cosa de buscarle.

Este trabajo, por si mismo es una joya sin desperdicio no solo para los fans de Queen, sino para todos aquellos que esperan que algun día, Edward Van Halen se baje de la nube etilica en que se encuentra y grabe un disco donde de nuevo, vuelva a mostrar el porque fue, en su momento, considerado el mejor guitarrista del mundo... es más! a el si se le debería considerar "el Paganini" del Rock y no al insufrible y frio Yngwie Malmsteen...

He dicho!

[Bonus Track: Este es el video oficial de Starfleet... gocelo!]

Porqueeeeeeé!? Pink Floyd!

2011-10-17T22:32:00.000-07:00

Waylon Smithers, además de ser el eterno enamorado gay del Señor Burns (en la serie de los Simpsons) es un coleccionista obsesivo de la "Stacy Malibu"; una muñeca parodia de Barbie. El comportamiento compulsivo del Señor Smithers por tener "todo" sobre la Stacy Malibu, es muy similar al que todos los que de igual manera somos coleccionistas de "algo": Desde monedas, tmbres postales y (por supuesto!) discos.

Somos los coleccionistas tan obsesivos que caemos facilmente en el garlito de comprar, una y otra vez, el mismo articulo porque tiene caracteristicas "diferentes" como por ejemplo... "un sombrero nuevo!"

Y es así como las compañias de discos han encontrado la manera de vendernos, una y otra vez, el mismo disco bajo los pretextos que van de lo técnico como la famosa (y choteadisima) "remasterización" hasta cosas más vistosas como empaques especiales, tracks adicionales, discos extras, combos de "disco de vinyl más CD más DVD más Bluray más descarga digital más...etc" o incluir articulos promocionales como playeras, USB, pines, postales, posters y... bueno! la lista es tan grande como puede ser de ingenioso el departamento de marketing de cualquier compañia de discos.

Dentro de este amplio espectro de "ediciones especiales" resalta (por obscena) las nuevas "reediciones" del catalogo completo de uno de los iconos del rock de todos los tiempos: Pink Floyd.

Alrededor de PF se ha creado una pomposa y artificial aureola de que majestuosidad sobre la calidad de su musica; creando "leyendas" tales como que, si puedes entender el significado de cualquier disco de PF, eres capaz de entender cualquier tipo de música o de que sus obras son de una calidad inmaculada; donde quién se atreva a poner en duda siquiera la intención de su más mediocre disco ("A Momentary Lapse Of Reason") comete un pecado tal que el mismisimo Dios Rock en persona baja y te da tus madrazos por pendejo.

Mucho de este "hipe" de Pink Floyd tiene que ver con el indiscutible genio y calidad de su ilustrador de cabecera, Storm Thorgeson, el cual si bien no ha participado en el diseño de algunas de las caratulas más famosas del grupo; si ha sabido reintepretar las mismas y adicionarle muchas de la parafernalia psicodelica-surrealista y hasta cierto punto pretensiosa que rodea actualmente la obra de Pink Floyd.

Y esto viene a cuento porque... si señores: Pink Floyd vuelve a reeditar todo su catalogo de discos en estudio en un estrategia comercial destinada a exprimir una vez más el bolsillo de sus fans y de paso, del escucha casual que nomás por no verse ignorate de la música, posiblemente adquirirá lo "mas conocido" de Pink Floyd pa apantallar a los cuates de que "el si sabe de musica".

Esta nueva reedición basa su creación en el sobado garlito de que se ha remasterizado todo el catalogo del grupo utilizando el "state of the art" tecnologico disponible y que, adicionalmente, utilizó a James Guthrie, su ingeniero de grabación de cabecera para (ahora si) darle a la música de Pink Floyd el sonido que se merece.

No conforme con eso, estas nuevas ediciones vienen en empaques "digipak barato" con la promesa de que el "arte" del disco es "nuevo" y de que ora si, es la neta de las netas porque el mismisimo Storm rediseño los empaques.

Pero ahi no para la cosa: Para este lanzamiento, se diseño una estrategia de marketing consistente en varias configuraciones de venta; tal y como sigue:

+ Discovery: Que es la más "sencilla" y es la venta separada de cada disco, en un empaque sencillo de cartón y como "plus" esta la edición de una caja conteniendo los mismos discos más un libro con algunos diseños diferentes y sketches del señor Thorgeson.

+ Experience: Que es la versión con extras de tres discos emblematicos del grupo: The Dark Side Of The Moon, Wish You Where Here y The Wall. Estas ediciones tienen la particularidad de venir con un disco extra en vivo y algunas "rarezas"

+ Immersion: Las mismas obras que la edición Experience, pero en ediciones de superlujo que contienen más discos extra, DVD y Blurays y parafernalia del grupo que va de lo exquisito a lo ridiculo... o hay alguien que se muera por tener unas "canicas" o portavasos de Pink Floyd?.

Hasta aquí podría sonar razonable el editar el catalogo del grupo. Sin embargo, esta reedición se suma a la de hace dos años; la famosa "Oh By The Way" que eran los mismos discos, en versión "mini-lp" donde se reproducia en miniatura cada detalle del disco de viny original o la mitica caja "Shine On" de 1992, que fue el primer box set de PF.

Otro aspecto que demerita mucho esta nueva entrega de discos, es que el mentado "nuevo arte" de los empaques, no es más que un refrito de los remasters del 2002 del catalogo del grupo y que, en honor a la verdad, están bastante feitos.

La campaña publicitaria usa el lema "Why Pink Floyd?" y verdaderamente, al final te quedas preguntando efectivamente eso, pero con otra entonación y razón: ¿Porqué Pink Floyd? ¿Porque quieres nuestro dinero? ¿Porque nos atormentas con nuevas "ediciones" que no aportan nada más que unos pocos tracks ineditos, algunas grabaciones en concierto y... nada más?

Sin embargo... pues si: Así como el señor Smithers, muchos hemos caido en las garras del consumismo y nuestra obsesión por tener "todo" de nuestros grupos favoritos y ya esta, dentro de nuestros estantes, las cajas Discovery y el primer volumen de la configuración Immersion del Dark Side Of The Moon.... que se junta con la versión "Experience" y se une a la decena de versiones que se sumaran, seguramente, a la edición del 40 aniversario que seguramente, saldrá para 2013...

En fin! resumiendo: Si les gusta Pink Floyd y no tienen algún disco de ellos, esta es una buena oportunidad para acercarse a su obra que tiene momentos brillates, pero otros bastante malos; ahora que si ya tienes los discos; solo te recomendaria el remaster del TDSOTM que vale la pena por la calidad del remaster... ahora que si eres aferrado... pues compra las versiones Immersion y por primera vez, date cuenta que la mezcla de Alan Parsons de TDSOTM es como para morirse de la risa... que bueno que la desecharon!

¿Quién acabó con el negocio de la música?

2011-10-08T16:58:00.000-07:00

Hasta antes de los ochentas, el mundo de la música grabada estaba monopolizado por las grandes compañías de discos debido a que, en su momento, entre los músicos profesionales la creencia de que pertenecer al elenco de EMI, Columbia, BMG y Phillips o alguno de sus subsellos como Island Records, Arista, Parlophone (entre otros) era la clara muestra de que habían triunfado, creativa y económicamente.

Sin embargo, esto no era sino un espejismo. Muchos grupos y solistas tuvieron (y tienen actualmente) que lidiar con ejecutivos cuyo principal interés no es propiamente el arte; sino las ganancias que se pueden obtener del mismo.

De ahí que, el "modelo de negocio" de estas compañías incluía, además del apropiarse de la comercialización de las obras musicales, los derechos y ganancias de su difusión, la organización de conciertos, el management de los artistas e incluso la apropiación a perpetuidad de gran porcentaje de las regalías de los discos y canciones de sus "artistas".

Este fue un modelo exitoso considerando que hasta finales del setentas y principios de los ochentas, la piratería de música no representaba un riesgo para las compañías de discos; considerando que, los medios masivos de reproducción industrial ilegal de sus materiales era costosos y se reducían, en todo caso, en maquiladoras de discos de vinyl. A nivel doméstico, el casete de audio no representaba tampoco una amenaza debido a las propias limitaciones del medio.

De ahí que, en esos años, se volvió una situación común el que artistas alcanzaran ventas de 500 mil o hasta un millón de copias vendidas de sus álbumes. El clímax de esta "época dorada" de las grandes compañías de discos lo tuvo con la venta de más de un millón de copias (ha su salida) del álbum "Thriller" de Michael Jackson.

Sin embargo este apogeo fue el proverbial "canto del cisne" de las compañías de discos.

El Compact Disc no es, como mucha gente piensa, un invento ochentero. El desarrollo data aproximadamente desde principios de los setentas, pero no es sino hasta 1979 cuando se da a conocer. Este nuevo soporte para almacenar música tardo algunos años en ser del interés en las compañías de discos. Phillips y Sony desarrollaron la tecnología necesaria para su producción en masa, pero no fue sino hasta 1980 cuando la industria discográfica encontró atractivo el potencial de comercialización de los CD y empezó la producción, comercialización y uso a gran escala de los discos compactos.

Una cosa conduce a la otra... las ventajas competitivas del Compact Disc fueron también la razón de un aumento (primero) de las ventas de grabaciones piratas y ya a finales de los ochentas, con el boom de las computadoras personales y sobre todo, de la creación del CD grabable llegó la notoria caída en las ventas de discos.

Con el arribo masivo del internet y sobre todo con la posibilidad de intercambiar archivos conteniendo música (y posteriormente videos) de manera comprimida forzó a las compañías de discos a asumir que su reino estaba viendo su fin; tratando desesperadamente de subsistir a través primero de la fusión de compañías (BMG-Ariola); rematadas al mejor postor (Columbia Records es comprada por ... SONY!... la misma compañia que ayudo a crear el CD y a comercializar los quemadores ... de CD!) o de plano, a adelgazar sus estructuras administrativas o, como en el caso particular de EMI, viviendo de las ganancias que generan los discos de The Beatles y Pink Floyd (que ese será tema de otro post).

Ante este panorama tan negro, también las compañías disqueras deciden tomar acciones legales contra los que (suponen) son los promotores de su debacle. En los noventas, es emblemático el litigio contra Napster y después, a manera de ejemplo, contra usuarios particulares, como cierta madre soltera que fue demandada por varios millones de dólares debido a que su hija descargó varios cientos de canciones "de manera ilegal".

Otras acciones que aun están en discusión, son las controvertidas medidas que se planean introducir con el ACTA (Anti-Counterfeiting Trade Agreement) o "Acuerdo Comercial Anti-falsificación" que pretende, entre otras cosas, el que los proveedores de Internet (a solicitud de "una autoridad competente") puedan escanear el contenido de las computadoras personales en busca de archivos "piratas".

Sin embargo, aun y con que la mayoría de las descargas "ilegales" que se dan en la red no tienen un aparente fin de lucro han decidido enfocar sus baterías en ese sector, más allá de la verdadera piratería que en el comercio informal tiene su principal enemigo y que, curiosamente, siendo este más evidente, poco o nada se hace al respecto.

Es irónico que el desarrollo tecnológico, uno de los pilares del "capitalismo salvaje" (a según de algunos) sea también el que esté dando la estocada final a una industria que hizo de la música un negocio y al arte en una "industria del entretenimiento".

Santo contra las momias del Rock!

2011-09-03T22:59:00.000-07:00

... O el difícil arte de envejecer con dignidad.

Alguien, hace tiempo, me compartía sus fantasías sobre "que harían los Beatles ahora si hubiesen continuado, como grupo, juntos..." - Ah! ¿te imaginas? - me decía mi amigo con una emoción que rayaba ya en el éxtasis mismo; como si en su mente estuviera asistiendo al "The Beatles México Tour 2011". Seguro para él y para muchísima gente en el mundo, este hubiese sido su "sueño dorado" donde verían a John, George, Paul y Ringo; "El Cuarteto de Liverpool" (como rezaba el slogan de "la hora de los Bicles" en Radio Éxitos) posiblemente arriba de un escenario que simularía (para esta hipotética gira 2011) el tejado de las oficinas de Apple en Saville Row, o algún set parecido a la portada del Sargento Pimienta... o todas esas cosas a la vez; cortesía de los más avanzados gadgets en luz y zumbidos disponibles; y también, es posible que gracias a esa maravilla que es el "auto-tuning"; nuestros heroes de Liverpool, sonarían igualito de afinados como siempre y como núnca.

Por desgracia (o fortuna, a saber) esto es algo que, al menos en esta vida, jamás veremos (por obvias razones) y de igual manera, eso nos salva del horrible trauma que causa ver a nuestros ídolos, decrépitos y faltos ya de energía, tratar de revivir viejas glorias de tiempos remotos y felices en escenarios donde, la mayor parte de las veces, la tecnología es el gran protagonista que hace ver (y oir) a nuestros músicos, en el mejor de los casos, como una parodia de ellos mismos.

Y esto viene a cuento porque, en las tierras de la pérfida Albión, se rumora cada vez con más insistencia sobre la "última gira mundial" de los Rolling Stones; donde, por supuesto, dentro su staff, viajará su "gerontólogo de cabecera"... y este no es sarcasmo: Es una realidad que desde su anterior gira, han tenido que hacer. El destino por fin alcanzó a los Stones y con una ironía que raya en lo profético, es posible que esta gira sea nombrada "Steel Wheel Chair"; como, a manera de broma, apareció en el capítulo "la boda de Lisa" de los Simpsons.

Como es previsible, la gira generará millonarias ganancias para el grupo, promotores y demás fauna nociva asociada al grupo (incluyendo a los dealers de Ronnie Wood) y será, quizás, el último capitulo de la saga Stoniana (ojalá!) Sin embargo, el caso de los Stones podría ser de los pocos donde su regreso genere tales expectativas e ingresos.

Hay otros casos de "ruqueros" (sic) que han regresado de ultratumba para espantarnos con su ajado aspecto para demostrarnos que el tiempo no perdona y otros que, aunque nunca se han ido, parecería que entraron a una especie de pirinola de la "dimensión desconocida" donde algunos salieron con la frente marchita pero con su dignidad intacta y otros que lo que menos le podríamos desear, es que se fueran al retiro donde, a fuerza de nostalgia inducida, siempre estuvieran igualitos a como los recordamos.

Y a manera de ejemplo, aquí les va un recuento de algunos "reencuentros" y de otros idolillos que aun andan por el mundo del rock dando (algunos, no todos) más pena que gloria.

Amonos recio!!!

+ Devo. La epoca de más fama de este cuarteto de Akron, Ohio fue a inicios de los ochentas y principalmente por su éxito “Whip It” y su sexista video que lo acompañaba. Los Devo de verdad generaron un “culto” entre sus leales fans y por supuesto, su influencia llegó incluso al cine (recuérdese el dialogo de Marty McFly y Doc Brown cuando este porta un traje “antiradiación”). Sin embargo el éxito fue efímero y después de algunos álbumes mas (algunos de ellos bastante mediocres) el grupo se desintegró; volviéndose a juntar en 2010 para sacar el excelente “Something for everybody”; el cual ha recibido muy buenas críticas tanto de la prensa "seria y amargada" como de la "indie"; principalmente porque Devo no suena anticuado y, por el contrario, ha actualizado su sonido de tal manera que sin perder su esencia, suena actual y “fresco”… cosa que no se puede decir de sus integrantes, los cuales por lo que se ve, necesitarían una tratamiento extremo con el Doctor del Villar para dejarlos (al menos) presentables a las cámaras y si no me creen, vean estas fotos:

Asi eran... tan nerds y tan guapos a la vez...

Pero...

Así están ahora... digo! con un poco de "amorz" se siguen viendo igual, que no???

+The Who. Según cuentan las malas lenguas, el hecho de que los Who sigueran como grupo despues de la muerte de Keith Moon (su baterista original) fue porque los demás integrantes tenían serios problemas economicos que y pues... no modo! el muerto al hoyo y el vivo al bollo! Igual situación se repitio con la repentina muerte de un pasón de cocaina de John Entwistle (su bajista), pocas horas antes de comenzar su su gira gringa de 2002. Como ya todo estaba montado y preparado, en lugar de cancelar la gira, decidieron seguir... y seguir y seguir hasta nuestros días, donde de un momento a otro, se anunciará la siguiente gira de los Who con lo que resta del grupo. Pete Townshend es (y será) uno de los maestros de la guitarra roquera de todos los tiempos; aunque ya sus capacidades están seriamente afectadas por una sordera tipica de los roquers. En cuanto a Roger Daltrey (el cantante del grupo) poco queda ya de quien, junto con Robert Plant de Led Zeppelin, eran la encarnación viva de los "Dioses del Rock"... sexis, varoniles y androginos a la vez y con una personalidad que derretia por igual a mujeres y hombres.

Como reclamo personal, yo, como muchos fans de The Who en México, no les perdonaremos que hayan cancelado su primera presentación en tierras mexicanas en 2006... quesque porque a Daltrey le dio catarro!... (las razones fueron otras y ya habrá otro espacio para comentarlas)

Así eran los Who... pura potencia roquer!!!!

Y así quedaron despues de haberse metido toda Bolivia por las narices y por las consecuencias de haber ganado el record guiness al concierto mas ruidoso de Rock de todos los tiempos!

+ Ultravox. Además de The human League, OMD, Gary Numan y los jotisimos integrantes de Soft Cell, Ultravox comparte el honor de ser una de las bandas pioneras de la mezcla de sonidos pop y rock con sintetizadores. La banda existía desde los remotos principios de los setentas, pero no es hasta cuando corren a su vocalista Jamie Foxx y entra el chaparrin Midge Ure que la historia de Ultravox se endereza y se convierten, durante la primera mitad de los ochentas, de ser una bandita de culto bastante gris a encabezar festivales europeos y a cosechar exitos con su popcito sabroson de sintetizadores.

Sin embargo, nada dura y mucho menos, un grupo de rock y Ultravox empezó a dar bandazos tales que para 1987 ya estaban practicamente acabados y en 1989 la banda original se desintegra, reformandose brevemente con algunos nuevos integrantes durante algunos toquines en los 90's, pero sin nada particular que destacar, hasta que cuando la nostalgía (o la falta de billete a saber) hace el "milagro" de reunir de nuevo a los integrantes originales de Ultravox para una serie de conciertos durante 2009; mismos que quedan "inmortalizados" en un album doble y un DVD editados en 2010 bajo el nombre de "Return to the Eden" el cual nos demuestra que el tiempo no es para nada benevolo con los rockstars... sobre todo, los ingleses... en fin! jusgue usted mismo:

Autos, moda y Ultravox... guapos y con fama ... ah los ochentas!

pero ... tomela Don Cuco! .... en 2009 nada queda de esa belleza, de esa vanguardia en la moda... aunque... son Ultravox! y eso es suficiente... o no?

+ Deep Purple. "esomc on de guater.... an fair in de escai!!!" .... a ver: ¿Quíen no ha cantado alguna vez estas memorables letras y jugado a la "guitarra de aire" tratando de imitar las pisadas del inmortal riff del jetas malgeniudo de Richie Blackmoore? o al menos, la tarareó al estilo Beavis & Butthead? Creo que todos, alguna vez, hemos sentido la necesidad de hacer nuestra esta canción que, de igual manera, fue el comienzo en la religión del "Dios Rock" porque, a ver; diganme si no, esta canción, sin saber quizás un pito de lo que habla, es (y seguira siendo!) junto con Purple Haze, Paranoid y Whole Lotta Love parte esencial del soundtrack de nuestras vidas.

Sin embargo, el catálogo de éxitos de Deep Purple es amplio y variado. Tan variado como sus famosas alineaciones (que ellos mismos bautizaron como "marks") y que la más famosa y exitosa es la "Mark II" que incluia a Blackmore, Guillan, Glover, Pace y Lord y que es la que grabo el ultrafamoso "Machine Head" de donde sale la canción comentada.

Pero como dicen, nada dura para siempre y por esas cosas de la vida del rockstar promedio (más una dosis de mamoneria y neurosis) los Purple se movieron de una alineación a otra y no siempre con los mejores resultados y bueno! desde el lejano 1968 hasta nuestros días, los "Dipurpul" nos han dejado no solo canciones estupendas, sino la viva imagen de que el tiempo no perdona. Y si, aun andan por ahí, en su encarnación IV; dandole la oportunidad a nuestros padres de ponerse su chamarra de cuero para decirnos a nosotros que "esos si son grupos! no chingaderas ñoñas!"

Ora, juzgen ustedes (a los Purple, no a sus papas):

Así eran en el 68... lo útlimo en outfit para el roquer de moda sesentera!

... Y así se ven hoy ... (si su papa se parece a uno de ellos; Que no les de pena!!!)

+ Los Caifanes. Ya mucho se ha hablado de las anécdotas caifanescas sobre sus pininos dentro de la incipiente escena del mal llamado "rock en tu idioma" y de como, a fuerza de su pinta de "sepultureros jotos en acido" fueron rechazados y desalojados de varias salas de espera de ciertas compañias de discos; las hasta el día de hoy se estarán lamentando de su mala decisión.

Sin embargo, la misma fuerza que hizo que los Caifas llegarán a la cima de la popularidad, fue la misma que los aventó de cuernos a los abismos más culeis a los que puede llegar alguien que se asume como el cerebro, corazón, tripas y (si me apuran) hasta el "culo" de un grupo (por esa analogía de que es por ahí por donde se tira la mierda) y así, un día de 1995, lo que queda de los Caifas se disuelve para dejar a muchos llorando al oir sus discos y con la nostalgía de no haberlos visto nunca tocar en vivo.

Pero como todos saben, nada es para siempre... y cuando de billete se trata, pues hasta los más rancios odios se disuelven y voila! los Caifanes se reunen! Lo que iban a ser solo "dos presentaciones" (una en el Vive Latino 2011 y otro en Coachella) se convirtió, de repente, en una gira nacional con muchisimas fechas donde solo les faltó incluir el Centro Civíco de Ecatepunk... en fin! que para quienes se quedaron fuera del Vive Latino... chavos! esta es su oportunidad de que dejen, de una vez por todas, sentirse humillados por sus carnales mayores (esos que trabajan de tinterillos en oficinas de gobierno) y digan con orgullo: Yo si vi a los Caifanes en vivo! ... bueno! al menos lo que queda de ellos...

Así eran los Caifas, en esos aciagos días de 1987 ...

Y así están ahora ... ok, para que el efectó no los traume, cuando vayan a verlos, solo cierren sus ojitos e imaginense en el Rockotitlan...

Por supuesto que hay más momias, zombies y Dorian Grays de Botox y autotune circulando por ahi y que por supuesto, no es nada remoto que los seguiremos viendo por la tierra hasta que literamente, se desintegren frente a nuestros ojos ...

Adios Emo, Adios! ... Bienvenidos los hipsters!

2011-08-22T17:40:00.000-07:00

Hace unos días me acordaba que, el año pasado (o fue hace dos?) el tema de los Emos estaba más que candente debido a las famosas madrizas que les propinaron a algunos especimenes de esta "tribu urbana" (sic) en varios puntos del Distrito Federal y en algunos estados de nuestro país; mismos eventos que se sumaban a la cada vez más creciente ola "anti-emo" que se vivía por esos tiempos en todo el mundo.

Según mis propias conclusiones, el odio se debía principalmente a que la pinta de los emos se robaba muchos de los trapos, peinados y maquillajes de los goths, darkis y punks y (lo que es "pior"!) los hacia ver mas maricas que lo que en realidad eran. "Jotipunk" fue un termino que en algún momento acuñe para nombrar el look de estos tipos que, además de todo, se desvivián por ver quién tenía la actitud más depresiva que pudiera, incluso, hacer palidecer al mismisimo Robert Smith y sobre todo, jugarle al "desadaptado" para hacerse el interesante proclamando a los cuatro vientos que "la vida es una mierda y que solo el dolor los hacia sentirse vivos".

Más o menos esa era la propuesta "estetica y de principios" (por ponerle un nombre) de los Emos y por supuesto que tuvo tal éxito que, como todas las cosas en este mundo, los anunciantes le encontraron "la cuadratura al círculo" y "la moda emo" llegó para quedarse sus warholianos 15 minutos de fama; donde sus fieles seguidores se prometieron "ser Emos" de aquí a la eternidad... o al menos, hasta que llegara "la siguiente moda" y con esta, otros trapos y otras fachas.

Y bueno! la eternidad del Emo duró hasta hace relativamente poco, porque como todo lo que es "para siempre" generalmente caduca poco despues de su nacimiento; así el "movimiento Emo" pasó a la historia para darle paso a la siguiente moda juvenil:

SEÑORAS Y SEÑORES! HETEROS Y JOTITAS JOVENES CON USTEDES!!!!!....

LOS HIPSTERS!!!!

Bueno! los hipsters son relativamente "nuevos" en la escena mexicana y estuvo reservada para los "niños bien" que adoptaron "el hipster style" de sus continuas visitas a Nueva York, Paris y otras capitales cosmopolitas.

De hecho, el termino no es nuevo y se podría rastrear hasta los años cincuenta, donde escritores como Jack Kerouac ponían de moda la visión desangelada de una sociedad consumista y opresiva que sin embargo, dentro de su mundanidad y estrechez, tenía cierto atractivo estético que podía ser apreciado desde la pomposa pose de "intelectualizarla" y en consecuencia, generar códigos que identificara a quienes apreciaban la "belleza" de lo corriente y ordinario; sea este a través de como se viste, como se piensa y sobre todo, de como se interpreta la relidad común y corriente... pose, pues.

Sin embargo, el Hipsterismo ha derivado en nuestros días a una moda que identifica a quienes la siguen más por su forma de vestir y una pretensión de "querer ser diferente" que asemeja más a una revancha del "nerd look" a una verdadera corriente de pensamiento que de alguna manera, se asemeja al postmodernismo de la generación "X" de los noventas del siglo pasado.

La masificación de los medios electronicos de comunicación y la inmediatez de tener lo que esta a la moda a la mano, ha generado una distorsión del termino hipster dejandolo solo como "moda" con cierto toque intelectualoide; de tal manera que el hipster promedio solo le interesa prentender: Prenteder que es intelectual, pretender que viste a la moda y prentender que eso lo hace diferente.

El hipster retoma, a su manera, la idea de que "vestirse sin pretenciones, el cool" y va y compra sus trapitos en bazares y tianguis o, en tiendas donde el "naco chic look" ya está presente. De igual manera, los hipsters siguen a banditas "indies" que puedan aportarles algo de "intelectualidad" (como Austin TV) y de igual manera, se la pasan hablando de libros y peliculas antiguas... mismas que solo han asimilado en resumenes en blogs y paginas de internet sin siquiera haberlas visto o leido alguna vez.

De igual manera, el hipsterismo de alimenta de lo "cool" que representa el adoptar el "look chic" de peliculas antiguas y de artefactos pasados de moda, como lo son los discos de vinil, las camaras fotograficas analogas y en general, el buscar en el pasado elementos para ser "diferentes". Es decir, para el hispter, lo importante es "ser" y aparentar un aire casual de intelectualidad... pero bueno! eso no sería pecado de no ser porque es una total pose.

Y como este post no ses trata de tirar calabaza a quienes son (o pretenden ser) hipsters, terminamos el mismo con una guía grafica, cortesía de el sitio "Diario de fiestas" que sin proponerselo, se convirtió en el escaparate de como se ha adoptado esta moda en nuestro pais.

Disfrutenlo!

http://diariodefiestas.com/

The Wall: Entre lo grandioso y lo grandote

2011-01-07T09:08:00.000-08:00

¿Como clasificar un evento de la magnitud de The Wall, en su reposición actual, por parte de su creador Roger Waters? Es dificil ya que, por un lado, aunque la musica es practicamente la misma en la parte de arreglos e instrumentación (al igual que las letras) a las del album original, el contexto de la obra ha cambiado al punto de que, ingeniosamente, la paranoia y enajención de Mr. Pink se convirtieron una metafora del un mundo globalizado, deshumanizado y sobre todo, presa de la tecnología que como invisible pared nos rodea y aisla. Si el iLOQUESEA es la constante de esta nueva suerte de cultura pop digital, luego entonces, es valido el que se convierta, para bien o para mal, en el zeitgeist que en todo momento, se refleja en la monumental pantalla en que se convierte el escenario a medida que el muro se va construyendo.Impecable en su ejecución; impresionante en espectaculo, pero sobre todo, congruente en el salto mortal que representó dejar de lado el concepto original del album, intimo y personalisimo, para convertirse en algo universal y contemporaneo hacen de este espectaculo una experiencia sensorial altamente sofisticada, pero a la vez, directa en el mensaje que desea transmitir.

Desde su visita pasada, donde presentó de manera integra The Dark Side Of The Moon, Roger Waters ha dejado claro que EL (así, en mayúculas) es Pink Floyd y aunque por cuestiones legales, no pueda usar el nombre de la banda que junto con Syd Barret fundó, si puede generar aun esa sobrecogedora sensación que emana al escuchar un disco de Pink Floyd... aun sin la guitarra maestra de David Gilmour.

Y es quizás este recuerdo imborrable sea lo que quedará en los pocos afortunados que tuvimos la oportunidad de ver este espectaculo en nuestro país aunque, paradojicamente, la mayoría del respetable publico solo se quede con la imagen de lo grandote del espectaculo y no en la intención del propio mensaje que através de sus proyeccciones visuales, pone el dedo en la llaga de la alineación que los medios, la religión y el consumismo provocan en todos y que eso, es nuestra pared real y virtual. Y es que, como suele suceder, quienes asisten a este tipo de espectaculos, no son necesariamente quienes más conocen al artista y su obra o, como en este caso, muchisima gente pensó que se trataba de "PInk Floyd-The Wall" (sic) y jamas reparó que se trataba solo del ex bajista y cantante del grupo en cuestión... porque estaban mas ocupados en seguir haciendo vida social dentro del recinto y solo se emocionaron y se sintieron "roqueros" (como todo y mano haciendo cuernitos) cuando sonó "Another Brick In The Wall (part 2)" y uno que otro momento "prendido".

Al final, estos mismos villamelones dizque roqueros fueron los mismos que se deslumbraron con lo grandote del escenario, la pirotecnia, las pantallas y la parafernalia del escenario y que, por supuesto! jamas se dieron cuenta del contexto de toda la obra.Como dato curioso y que ilustra el punto, está esta anecdota: En el concierto del 19, una pareja madura se ofendió desde la primera parte del espectaculo porque pensó que se trataba de una apología del Nazismo... aunque decidió quedarse todo el concierto porque "estaba bien bonito el espectaculo".

El concierto, como tal, fue la presentación integra de "The Wall" más un improvisado "encore" al final del mismo, donde Waters y su banda, reinterpretan "Las Mañanitas" ... con la tonada de "Another Birck in The Wall (part 2)". A según del propio Waters, la canción la aprendió en alguna reunión que tuvo la noche del sábado 18, al final de su primera presentación en el DF y decidió agregarla como un toque de gratitud hacia el publico mexicano en las dos fechas siguientes.

Y es que si algo tiene el publico mexicano, es que sabe "ganarse" la gratitud de los artistas que se han presentado en nuestro país... cuando tiene ganas de hacerlo.

Finalmente, sería trivial describir en palabras lo que sucedió en el escenario, por lo que en este caso, las imagenes podrían ser más elocuentes; así que aquí les dejo algunas fotos de los conciertos del 19 y 21 de diciembre. (fotos cortesía del RBD Boy y su marido)

Alicia en el espejo: 15 años del multiforo cultural Alicia

2010-11-21T18:29:00.000-08:00

Antes de iniciar este post, he de decir que hasta relativamente poco, el Multiforo Cultural Alicia era un lugar un tanto mítico para mí; ya que además de algunas referencias de algunos amigos míos que habían tocado ahí y de las referencias en algunas de las pocas revistas de rock en México, poco sabía del lugar. A invitación de un buen amigo mío, asistí a una tocada de San Pascualito Rey en ese foro y posteriormente, ya por mi cuenta, con mi marido he asistido unas cuatro o cinco veces más a ver a las Ultrasónicas, Lost Acapulco y alguna otra banda más. El lugar, que se encuentra sobre la avenida Cuauhtémoc, casi esquina con Colima, es por derecho propio, el único lugar en el Distrito Federal que por sus características, filosofía de operación y sobre todo, por su ambiente que se puede ostentar como la auténtica cuna de la escena cultural subterránea de México.

¿Qué es el Alicia?

El Alicia es el lugar donde se dan la mano el México de los seres reales, esos que viven la cruda realidad de vivir en un país cada vez más cercano al caos y egoísta y que en el Alicia encuentran, bajo la comunión de la música, la identificación de ser parte de algo que vale la pena porque es honesto, real y sobre todo, que permite asumirlo como parte de uno.

El Alicia no es para niños bonitos que esperan lugares amplios, a la moda y llenos de gente bonita como en antro de la Condesa o Polanco. En el Alicia el sudor escurre (literalmente) del techo del lugar y vibra con la vitalidad de quienes saben lo que es la vida en la calle.

En el Alicia la experiencia es la comunión total del público y su grupo favorito. Es reconocer el mérito artístico no por cuantas veces has aparecido en la tele, sino porque tus canciones se le han tatuado a la gente común que te ve en el escenario.

El Alicia es más que un lugar para ver tocar a grupos que no aparecen en la TV y que sin embargo, pueden llenar el lugar sin necesidad de los medios. El Alicia es la expresión sobreviviente del arte que sigue siendo subversivo en su forma y contenido y que se mezcla en la cultura popular, esa que realmente emana de las calles y que se transforma de las experiencias cotidianas e individuales para convertirse en símbolos unificadores.

El Alicia está en la frontera justa del México de a de veras, ese que vive en las colonias y barrios populares de la capital, como la Doctores que está justo cruzando la avenida y el México de la supuesta cultura popular “bonita y trendy” que coexiste hacia dentro de la Roma y la Condesa, esa donde para los niños bonitos, ser naco es “cool” y curiosamente, de vez en vez, bajan al Alicia para sentirse underground.

El Alicia (como se le conoce comúnmente) cumple este mes de noviembre 15 años de vida y oportunamente, se ha editado en nuestro país, bajo el sello de la editorial “Edixiones Alicia” el libro “Alicia en el espejo: Historias del Multiforo Cultural Alicia” de María Teresa Lopez Flamarique. A lo largo de 170 páginas, la autora, a través de la narración de las memorias, pensamientos, deseos y vivencias de “Alicia”, un personaje (¿ficticio?) que es una asidua asistente al Multiforo, nos cuenta la génesis de este lugar que solo podría existir en un lugar como el Distrito Federal y más aún, en la Colonia Roma.

El tratamiento que Lopez le da a su trabajo, mezclando la crónica con entrevistas y un trabajo periodístico de investigación hacen amena la lectura de este libro y adicionalmente, permite al lector adentrarse dentro del mundo del Alicia, donde ideologías aparte, se le da a los creadores el espacio y el respeto por su trabajo que merecen al hacerlos participes no de un esquema de negocio musical típico, sino de una experiencia de autoaprendizaje y cooperación que difícilmente se ve en la industria musical en nuestro país y no se diga de las compañías disqueras.

Acompañando al libro se incluye un sampler de “Grabaxiones Alicia” con un compilado de las diversas bandas que forman parte del sello y que de igual manera, han pisado el Alicia; además de memorabilia alusiva al foro.

El libro es pues lectura obligada para todos aquellos que piensan que el rockcito en México nunca crecerá porque está copado por grupitos “indies” que solo les interesa ser copias mal hechas de grupos gringos (saludos Rey Pila!) o que el éxito solo se puede dar si eres cuate del Rulo o cualquier otro programador o locutor de Reactor; ya que en si, más que un documento testimonial, es un perfecto manual de autogestión y sobre todo, una lección de que a pesar de todo, aun hay gente en el país que cree no en el dinero, sino en las personas.

Personalmente, el libro me ha dado una visión más allá de esa noción un tanto errada de que el Alicia es como el hoy extinto CBGB de Nueva York. Ya sabemos todos como el CBGB terminó y bueno! El Alicia, aun con todo lo que le ha tocado pasar, se mantiene fiel a sus ideales y propuesta.

Feliz Cumpleaños Alicia!

Band On The Run: 35 años de los conejos en fuga...

2010-11-21T18:25:00.000-08:00

Una de las famosas leyes de Murphy reza asi: “Cuando algo empieza mal, generalmente termina mal” y seguramente, muchos la rematarían con el “si así va a ser, entonces: ¿pa’ que le sigo?”. Seguramente este par de frases le pasó por la mente a un joven Paul McCartney muchas veces en las tantas noches que pasó en Lagos, Nigeria durante la grabación del que, paradójicamente, es la obra maestra más importante de su carrera solista: Band On The Run.

Band On The Run cumple este año 35 añitos de su primera edición en vinyl y representa un buen ejemplo de cómo una mala decisión no siempre deviene en algo catastrófico… aun cuando todo indique que así va a suceder.

La propia historia de este disco es tan icónica como la foto de su portada, tomada por el fotógrafo inglés Clive Arrowsmith e inicia a finales de 1972. Paul McCartney había sorprendido (aunque no convencido del todo) a la crítica inglesa con un excelente álbum que lo alejaba de los experimentos caseros de su primer y segundo discos como solista (McCartney [1970] y Ram [1971]) y de un dudoso inicio con su nueva banda: Wings y su álbum debut del ’71: Wild Life. Red Rose Speedway fue un disco que reafirmo un poco la autoestima del buen Paul que no podía quitarse la sombra Beatle de encima al momento de evaluar la calidad de sus trabajossolistas. Este álbum, conjuntamente con el éxito que le trajo el haber aportado el tema principal a la nueva película de James Bond [Live And Let Die, 1972] le dio la oportunidad de nuevo a Paul de que su propia compañía disquera [EMI] le pusiera de nuevo la atención debida y por ende, le permitiera seguir cumpliendo sus caprichitos de rockstar; porque a ver, dígame usted, ¿cómo le dice que no a un Beatle?. De estos caprichos “tan setentas” de rockstar, nació la idea de grabar un disco en un lugar exotico; alejado del bullicio y de la falsa sociedad. EMI Records le propone a Paul un amplio catálogo de opciones de sus estudios de grabación alrededor del mundo; que como dato curioso, incluía los estudios de EMI-Capitol de México, en la calle de Rio Balsas, en el DF. Finalmente, después de lo que suponemos fue una ardua selección, el señor MasCarnes se decide por el lugar más exótico para grabar que se pudo encontrar de la lista: Lagos, la capital de Nigeria en el continente Africano.

La gente de McCartney arregla con EMI el apartar tiempo de estudio en Lagos y se programa la salida del grupo para comenzar las sesiones a finales de agosto del 73. Sin embargo, ni el propio Paul ni su staff o incluso gente de EMI tuvo la precaución de visitar o al menos, pedir referencias de las instalaciones de EMI en Nigeria. Adicionalmente a esto, unas semanas antes de su partida, Henry McCullough, baterista del grupo, los abandona en medio de unas presentaciones en Escocia y adicionalmente, Denny Seiwell, su guitarrista, avisa que no irá a Lagos por su fobia a las arañas solo unas horas antes de la partida del grupo hacia Africa.

Finalmente, solo tres Wings toman el vuelo a Africa: Paul, su esposa Linda y el wannabe Beatle, Denny Laine. Lo que se suponía iba a ser una experiencia única en lo que a grabaciones se refiere, resulto ser un infierno desde el preciso momento en el que el avión de la BOAC aterrizó en Lagos. El clima, la situación económica y política del país y sobre todo, un estudio de grabación que poco le faltaba para caerse a pedazos, fue el panorama que recibió a los señores McCartney, su amigo Laine y al ingeniero de grabación Geoff Emerick. Antes la magnitud de esta situación, Paul hizo exactamente lo contrario a lo que hubiese hecho otro rockstar en semejantes circunstancias: Decidió quedarse, aunque las 4 o 5 semanas que planeaban estar en grabando en Lagos, se redujeron solo a 3; mismas que solo fueron utilizadas para grabar los tracks básicos del nuevo álbum.

En el inter, Paul, su esposa y sus dos hijas decidieron difrutar, en lo posible, su estadía en Lagos a pesar de las advertencias del Consulado Britanico; mismo que les recomendó permanecer en el hotel y no aventurarse en los barrios de Lagos debido a la alta peligrosidad que estos representaban para los pocos blancos que vivían en Nigeria. Sin embargo, esta advertencia no fue tomada a la ligera por Paul y su esposa, quienes una noche salieron del estudio y decidieron caminar hacia el hotel, junto con algunos cassetes de las grabaciones que habían hecho ese día. En su recorrido fueron abordados por una pandilla que los asaltó. Según varios autores, los pandilleros pusieron un cuchillo en la garganta de Paul con la intención de degollarlo; sin embargo, la histérica (aunque oportuna) reacción de su esposa, la cual empezó a suplicar, entre gritos a los asaltantes de que el era “Paul, uno de los Beatles!” los hizo desistir de su intención de cortarle el cuello; aunque eso no los salvó de la bolseada y la perdida de las cintas; las cuales por cierto, hasta la fecha siguen perdidas.

Otro incidente bochornoso, fue el día en que Fela Kuti, el cantante y activista político más notorio de Nigeria, acusó frente a frente a Paul de querer “robarse” la herencia musical de Nigeria. Kuti era a la sazón, parte del grupo musical que amenizaba el bar y restaurant del hotel donde se hospedaba Paul y su grupo y este incidente sucedió cuando Kuti se dio cuenta de la presencia de McCartney entre el público. Aunque Paul posteriormente invitó a Kuti al estudio de grabación para mostrarle que no tenía ninguna intención de “robar” su música a los nigerianos; Kuti jamás cambio de opinión y finalmente, un irritado McCartney hizo algunas declaraciones bastante agresivas hacia Kuti, lo que marcó el final de las sesiones en Lagos y su regreso a Inglaterra.

El álbum fue completado en Londres a finales de Septiembre y la mezcla final, a principios de Octubre. La famosa portada del disco, obra del fotografo Clive Arrowsmith fue realizada en Osterley Park, Hounslow, cerca de Londres, la tarde-noche del 28 de octubre de 1973 y finalmente, el álbum fue editado a mediados de noviembre de ese mismo año.

La recepción del disco fue, lenta, pero consistente y finalmente, ganó un grammy en 1975 y hasta la fecha, revistas como Rolling Stone o Q Magazine lo consideran como uno de los mejores 100 discos de todos los tiempos.

Sin embargo, más allá de estas distinciones, está el hecho innegable que en sus 35 años de vida, el disco sigue sonando tan fresco y vigente como en su fecha de salida, lo que lo hace simplemente, una de las piezas angulares del rock contemporáneo.

Para festejar este gran álbum y también, para dejar claro que su nueva compañía distribuidora (Hear Music/Repertoire) no lo trata como “un mueble"; tal y como sentía que lo trataba EMI; se ha reeditado el Band On The Run en varios formatos y ediciones bajo la serie “The Paul McCartney Archive Collection” donde destaca la edición de super lujo que incluye el disco original remasterizado, un disco de rarezas y tomas alternas, otro disco con el audio documental remasterizado que apareció originalmente en la edición del 25 aniversario del disco y un DVD con los clips de los sencillos del álbum más dos adiciones que hicieron babear a los seguidores de Paul y los Bicles y se trata de la grabación completa de la sesión de la foto del álbum y el mitico “One Hand Clapping”; especial de TV filmado en los estudios de Abbey Road en 1974. Adicional a lo anterior, se acompaña de un libro de pasta dura de 150 páginas donde se desmenuza cada aspecto del disco; además de una cantidad enorme de fotos inéditas y demás cosas que harán de este articulo un indispensable en la colección de cualquier fan de los Bicles.

35 años después, seguiremos buscando por siempre a los conejos en fuga …

U2 Regresa a México en 2011

2010-09-22T08:13:00.000-07:00

Finalmente sucedió lo que tenía que suceder: U2 regresa a nuestro país en mayo de 2011

Desde el día de ayer ya se puede corroborar este dato en la página oficial de U2. Esta es la nota del día de hoy en Milenio:

La banda irlandesa U2 abrió fecha para la ciudad de México dentro de su gira 360
Tour que será el 14 de mayo en el Estadio Azteca.

El área de prensa de
OCESA adelantó que la preventa se realizará para clientes Banamex el 28 y 29 de
septiembre.

Así mismo, el concierto en México aparece dentro de las
novedades de la página oficial de la agrupación www.u2.com.

La última
vez que la banda estuvo en México fue el 15 y 16 de febrero de 2006, cuando vino
a presentar el espectáculo Vértigo Tour. La primera fue en 1993 cuando
presentaron el Zoo Tour, y la segunda en 1997 con U2 POP.

Hasta aquí la nota.... que curiosamente, no ha causado el impacto que (supuestamente) debería de causar (al menos fuera del circulo de "fans from hell" de U2). Y es que como hemos comentado en otras ocasiones, a los U2 parece que ya se les acabó la creatividad y ahora, cambian calidad musical por monstruosos (pero harto vistosos) espectáculos. Ciertamente, para quienes haya tenido ya la oportunidad de verlos en esta última gira o a través de su versión en DVD o Blu Ray de su actuación en el Rose Bowl es impresionante el escenario y por supuesto, la simple vista de una estructura tan intimidante como "the claw" bien vale los cientos de dolaritos que pagaron por la entrada al toquín.

Ora que si hablamos de la música ... mmmh ... pues seguramente, para esta parte de la gira mundial, ya cambiaron el set list ... y más seguramente, tocarán más cosas "viejitas" que sus nuevas (y flojas) canciones ... pero en fin! "es U2, no carnaaaal?" y solo por eso, hay que ir a verlos ... no? ...

Femme Fatale del rock

2010-09-18T15:17:00.000-07:00

Aunque gay, he de reconocer que las mujeres son una fuente innagotable de inspiración para las artes y de igual manera, motivo y causa de muchas grandes historias de amor y otras de dolor, traición y muerte.

La música, concretamente el rock, está lleno de estas mujeres fatales que inspiraron grandes canciones, formaron parte de grupos trascendentales o simplemente, con su sola presencia fueron capaces de destruir y poner de rodillas a roqueritos de ambos sexos por igual.

Aquí, en un orden no preferencial, un breve recuento de algunas mujeres que de una u otra manera, han dejado su huella (genital) en el rock.

Nico

... cuyo verdadero nombre era Chirsta Paffgen, fue entre muchas cosas, modelo actriz y cantante. Esta alemana, musa e inspiración de Brian Jones, Bob Dylan y acompañante ocasional de Jim Morrison e Iggy Pop, trabajó con Fellini en "La Dolce Vita" [1960] y en algunas peliculas de Andy Warhol. Nico es importante porque, para bien o para mal, quedó asociada irremediablemente con The Velvet Undreground. Andy Warhol insistió en que Nico hiciera su debut discografico como parte de los Velvet; que eran uno de los grupos apadrinados por The Factory, el contigente artisitico que el propio Warhol había creado a mediados de los 60's para sus intereses artisticos y (por supuesto!) comerciales. Se cuenta que Lou Reed y John Cale detestaban la presencia de la enigmatica protegida de Warhol dentro de "su" grupo" e incluso se negaron a que ella participara en la grabación de su primer album. Evidentemente los compromisos adquiridos con Warhol fueron más fuertes que su reticencia a dejarla participar dentro del grupo y finalmente, graban, en 1967, "The Velvet Undreground & Nico", primer disco del grupo y cuya clásica portada de un platano con el letrero "peel down and see" fue cortersía del propio Warhol. Aun y cuando el disco no tuvo un exito comercial en su momento, si se convirtió despues en un icono de los (ahora) roqueritos "indies" y sobre todo, las fotos de la enigmática Nico se han convertido en legendarias. Incluso, hay quienes erroneamente aducen que la alemana fue la inspiración del disco; lo que de alguna manera, le dió el estatus de icono de culto dentro del rock. Nico murio a consecuenica de un golpe en la cabeza en un accidente de bicicleta en Ibiza Españan en 1988; sin embargo, aun es idolatrada por miles que ven en ella, la musa que inspiró (erroneamente) canciones como "Heroin".

Astrid Kirchherr

La Repperbanh ... la mitica zona roja de Hamburgo, Alemania fue el lugar donde los Beatles hicieron un curso intensivo de madurez sobre los avatares del rock y la vida en general y donde un corte de pelo cambió por completo la historia de la musica pop. En 1962, los Beatles entran como ilegales a tocar agotadoras sesiones de rock and roll en clubs de marinos borrachos y prostitutas baratas que encontraban en la Repperbanh el lugar ideal para vivir los placeres carnales que la decandencia de la vida martitima solo les da cuando bajan a tierra. Este ambiente, tambien atrajo a otros seres mas mundanos y pendantes, que bajo la filosofía existencialista de Schopenhauer y Kierkegaard encontraban un cierto sentido a esos ambientes decadentes. La señorita fotografa Astrid Kirchherr, junto con su amiguito gay, Klaus Vormann, solian ser frecuentes parroquianos del Club Indra y fueron los primeros grupies de un desconocido grupo de jovencillos desmadrosos de Liverpool que a fuerza de anfetaminas y cerveza, podían tocar horas y horas un ruidoso rock and roll. Astrid se sintió atraida por Stuart Sutcliffe, pintor metido a la fuerza como bajista por sus amigos John Lennon y Paul McCartney. Stu y Astrid terminaron, durante la estancia de los Beatles en Hamburgo, viviendo juntos, enfrascados en un amor tanto fisico como intelectual y fue la primera vez que la influencia femenina puso (literalmente) los pelos de punta a un rebelde Lennon, quién veía como una traición de su amigo Stu el que este prefiriera a la bella (pero rara) fotografa alemana y sus infulas pseudo intelectuales a la brutalidad y virilidad del rock and roll. Lennon, quizás mas por ahorrarse unas libras y tambien, por no tener problemas con su amigo, acepto las sugerencias de la fotografa sobre cambiar su imagen de rocker rudo a la Gene Vincent por algo más artistico ... incluido cortarse el pelo. "Haiga como haiga sido" (Calderón dixit), Astrid convenció a todos los Beatles de cortarse el pelo en un estilo trapeador (mop top). Quizás a los Beatles el corte de pelo no los dejó satisfechos, pero con el paso de los siguientes meses, este se fundió indivisiblemente con ellos, tanto, que se volvió una marca distintiva de esos primeros años de la naciente Beatlemania.

Courtney Love

Ah! la viudita alegre del Grunge!. Que no se ha dicho de esta bendita y maldita creatura que con su sola presencia puede causar toda clase de comentarios hostiles y alabanzas desmedidas?. La seño Love y sus sueños de comerse al mundo, ya sea desde un escenario armada con una guitarra electrica o actuando decentemente en peliculas controversiales. Mucho se ha dicho y escrito acerca de las ambiciones de esta devoradora de roqueros, pero fundamentalmente sobre su extraña relación con Kurt Cobain y sobre todo, la duda siempre presente sobre si ella fue la causante del "suicidio" de Cobain o ... si ella fue la que lo mando matar. Kurt & Courtney ... igualitos que Syd y Nancy, una pareja de sucios junkies que nunca encontraron el Nirvana de la felicidad en esta vida y que irremediablemente estuvieron juntos hasta el final (al menos el de Kurt). La Love es una perra de doce chiches (como decimos en la jotería) que en sus años de gloria roquera, podía sin tapujos salir a escena en fino camisón de seda y sin calzones para luego aventarse salvajemente en stage diving a la audiencia y dejar que ojos y lentes husmearan descaradamente su vagina. Si, la seño Love estaba (o está?) loca ... tanto como para meterse heroína mientras estaba embarazada y hacer declaraciones demoledoras contra ella y Cobain a Vanity Fair. La misma loca que aulló su "dolor" cuando supo de la muerte de su marido y la misma orate que metió las cenizas del idolo de la generación X en un pinche osito de peluche, mismo que años despues perdió ... Si, la viuda que sacó una orden judicial para que ningún medio le pudiera arrancar ni media palabra sobre lo que le pasó a su marido y tambien, la que fue a dar a la carcel por sus desmadres como drogadicta ... bendita Courtney! te has ganado por ti misma, un lugar destacado en el salón de la fama del infierno del rock and roll.

Marusa Reyes

Y ustedes diran: ¿y esta ... quién es? ... bueno! pues esta seño si es la "verdadera mujer fatal" del rockcito mexicano. Y lo es porque la Maru es la mano que mece la cuna de muchos grupos mexicanos de rock y sobre todo, se le conoce por ser quién (según rumores chismosos en el chopo) fue la casuante que de Saulito Hernandez perdiera el piso y mandara a la chingada a los otros tres Caifanes. Marusa es la "gerente" ... perdón! es la representante de los Jaguares y por supuesto que se ha encargado de los asuntos administrativos y legales de Saulito. Cuenta la leyenda chamanica que Saul oyó el canto de las sirenas en su cabecita roquera desde que los Caifanes se volvieron mas populares que la Sonora Santanera y empezo su transmutación espiritual al sentir que ya no pisaba el piso porque el era el elegido de los dioses de Rockotitlán para salvar con su letras guerreras la conciencia del pueblo mexica. Para lograr sus planes de dominación musical, necesitaba quitarse el lastre material (y de regalias) que lo ataban a cierto argentinito rejego con el que en una noche de peda, había acordado repartirse los derechos legales del nombre "Caifanes". Así, el chaman Hernandez invocó a la hermana oscura del dios Tezcatlipunk y ... amonos! que aparece la Marusa! Según las siempre afiladas lenguas de los letrados en la historia oscura del rockcito mexicano, la Maru aconsejó a Saul pa que convenciera a Marcovich de dejar los Caifanes y que le cediera sus derechos sobre el nombre. Marcovich, nada wey, se negó y el resultado fue uno de los pleitos más celebres del rock mexicano que hasta la fecha existe. Tanto es el odio que le guardan la Marusa y Saul a Marcovich, que se rumora que fueron este dúo dinamico los que que ordenaron la madriza a Marcovich en el backstage del Vive Latino de 2005. La Marusa es elusiva y aunque discreta en los medios (no hay fotos de ella disponibles en la red), si se siente la presión que ejerce tanto en los medios como con los promotores de conciertos; tanta que es admirada y odiada por igual.

Yoko Ono

Para los religiosos seguidores del culto Beatle, Yoko Ono es la única culpable de que el famoso cuarteto de Liverpool valiera madres y nos arrebatara la gerontofilica experiencia de seguir viendo a nuestro grupo idolatrado hacer giras y giras hasta que (literalmente) se desintegren ante nuestros ojos ... igualito que los Rolling Stones. Quizás lo que no se le perdona a Juanito Lennon, es el hecho de haber cambiado a una mujer caucasica de clase media, aburrida y sin glamour, como o era Cynthia Powell (su primera esposa) pero al fin "gente como uno" (sic) por una exotica japonesa con pinta de haber salido del capitulo más tenebroso de la "Señorita Cometa". Aun en nuestros días, es dificil de entender como un roquero de la clase media inglesa pudiera haberse relacionado con una mujer tan diametralmente opuesta como Yoko, quién venía de una familia acomodada, 10 años mayor que el y sobre todo, aquejada de la pedantería típica de los artistas de vanguardia. Sin embargo, desde su primer encuentro en la Indica Gallery de Londres, John y Yoko se fusionaron en una sola entidad que se decia (en broma?) que incluso, iban a cagar los dos al mismo tiempo. El Album Blanco de los Beatles se estaba cocinando y resultó sumamente irritante para los otros 3 Beatles el tener que soportar a la sucia y desaliñada japonesa que como remora, estaba siempre al lado de John; rompiendo el pacto de que solo los Beatles podrían estar en el estudio de grabación. Esta molesta presencia no hizo sino profundizar en las diferencias que ya se cocinaban entre los integrates del cuarteto y precipitar el fin del grupo, algunos años despues. Durante los 70's esta mujer resultó mas lista de lo que parecia, al punto de convertir las ganacias de su marido en toda una fortuna gracias a su buen ojo para los negocios. Sin embargo, la increible influencia que sobre Lennon ejercia su esposa aun sigue siendo motivo de debate, chismes y teorías locas. Como dato curioso, se sabe que la Ono era practicante de ciertos rituales mágicos y que, según algunos autores como Peter Brown, estos le servían tanto para conocer el futuro como para modificarlo. Sin embargo, de ser cierto esto: ¿Porqué no pudo evitar el asesinato de Lennon? Por ahora, la seño Lennon se dedica a seguir haciendo billetes verdes con el legado de su difunto marido y si no, esperense para las reediciones conmemorativas del cumpleaños 70 de Lennon!.

Pattie Boyd

Una mujer muy ligada a los Beatles. De hecho, ella fue la primera esposa de George Harrison y la manzana de la discordia con uno de sus mejores amigos: Eric Clapton. Clapton esperaba que la bella Pattie Boyd diera su bracito a torcer y dejara por fin a Harrison (despues de que ya ambos le habian puesto el cuerno al ex Beatle) y le compuso una de las mejores canciones de amor que el rock ha dado: Layla; la cual está inspirada en un antiguo cuento persa del siglo VII. Fue tal la obsesión malsana del señor Clapton que durante gran parte de los setentas estuvo al pendiente de la relación de su "amigo" y muy seguramente, se le iluminaron los ojitos ese día de 1977 cuando se la Boyd se separó legalmente de George; aunque tuvo que aguardar hasta 1979 para casarse con el objeto de su deseo ... para divorciarse de ella 10 años despues en un pleito fenomenal donde lo menos que dijo la Boyd de Clapton es que el era "un ser abominable" (zas mana! pues no que mucho amor eterno?). Como quiera que sea, esta relación tan intensa como destructiva, fue la inspiración de una canción inmortal.

Marianne Faithfull

Para los que poco (o nada) saben de esta musa sesentera, sepanse que es la viejita sesentona que aparece cantando el coro del "la, lara la, nah, nah, nah" en el video de "the memory remains" de Metallica. sin embargo esta dama inglesa de figura tan respetable y fina en el video, en realidad fue una toda una loba devoradora de hombres, drogas y alcohol en los sesentas y que protagonizó uno de los capitulos más hilarantes en la historia de excesos de los Rolling Stones, a la par de haber sido la causante de pleitos y discordias entre Mick Jagger, Keith Richards y el difunto Brian Jones. Musicalmente hablando, la Faithfull hace su debut en la música en 1964, interpretando "as tears go by", una rolita que su entonces novio Mick Jagger le compuso y que le dió cierta notoriedad. Sin embargo, es más conocida por la vida de desmadre que vivió con los Stones y que tuvo su punto mas alto cuando, en 1966 Jagger y Richards fueron apañados por la policia antinarcoticos inglesa en una fiesta en la casa de campo de Richards. Se dice que al momento del arresto, Marianne estaba cubierta solo por un tapete y que tenía una barra de chocolate metida en su vagina. Este hecho fue tan sobreexplotado por los tabloides ingleses que casi se pasó por alto el arresto de los dos Stones. Finalmente, los Stones se pasaron una semanita en una comisaria londinense donde fueron puesto en libertad. A los pocos meses, Jagger manda a volar a Marianne y esta se tira de hocico a las drogas y al alcohol, perdieron en el camino, su peculiar tono de voz, su belleza y su fortuna. Ruby Tuesday (se dice) fue compuesta en honor a la Faithfull por su novio Jagger; asi como otras canciones ... mmmh ... como sister morphine? ... en fin! que despues de una temporada en el infierno, Marianne regresó a la musica y aunque ya nunca más recobró la notoriedad setentera. Como dato curioso, Marianne es descendiente del autor austriaco Leopold von Sacher-Masoch, autor de la novela "la venus en pieles" y cuyo apellido es la cuna de esa gozosa practica sexual que es el masoquismo.

Janis Joplin

Una cosa hay que decir antes que nada sobre la Joplin: "NO ERA BRUJA!". Y lo aclaro porque es lugar común entre los jipitecas setenteros, esos que aun deambulan por el tianguis del Chopo y huelen a mota y pachuli, el referirse a esta mujer como "la brujita cósmica". Hecha la aclaración anterior, prosigamos: La Janis es, sin lugar a dudas, la primera super rockstar mujer de la historia; tanto por su voz y talento, como por sus horrendos vestidos y sobre todo, los infiernos en los que solita se metió por sus excesos con Jack Daniels, marihuana, LSD, heroina y sobre todo... sexo!! Y es que la mujer era una ninfomana que ya encarrerada, pues le daba lo mismo chana que juana, musico que vago, hombre, mujer o jotitos ... a la Janis su apetito sexual solo se le comparaban, en tamaño, sus complejos. Sin embargo, la carrera de la Joplin estuvo tan cargada de altibajos que no es de extrañar el que estos hayan sido producto de su desordenada vida personal. Así pues, cuando murió por una sobredosis de heroina el 14 de octubre de 1970, dejando inconcluso su ultimo trabajo [Pearl] todo mundo pudo constatar el grado de su decadencia personal con solo hechar una miradita al cadaver de aquella mujer gorda y macilenta y con visibles huellas de arponazos en los brazos. Muere la mujer, nace la leyenda y es cierto que Janis se volvió en icono no de feminazis, sino de mujeres que reconocieron en ella a un ser perdido en el negro cosmico de un mundo machista, pero que supo luchar en el mismo con las mismas armas que ellos, pero que paradojicamente, dejó en sus interpretaciones el dolor de su propia alma convertida en tristes acordes de blues. Por otro lado, tambien la Joplin ha sido "ejemplo" de dizque roqueritas que han querido no digamos ya imitarla, sino ser unas versiones descafeinadas de ella, como la tal Alejandra Guzman o la Kenny (la de los electricos) cuyos "excesos" son, en el mejor de los casos, pateticos.

Nancy Spungen

20 añitos tenía la Spungen cuando una navaja en la panza se le atravesó ... Quizás fue la groupie mas loca del rock and roll. Esta niña judía dejó a sus padres a los 17 años y se fue de trota camas siguiendo sus sueños humedos y el rastro de las humedades de sus idolos musicales a la ciudad del pecado: Nueva York. Se cuenta que practicamente la mujer hacía hasta lo imposible por llevarse a la cama a algún roquero famosillo que anduviera por la ciudad y finalmente, se "colgo" del personal de Aerosmith para irse con ellos en algunas fechas por Nueva York, Boston y Filadelfia para luego descubrir la crudeza sexual de los New York Dolls y finalmente, caerle a las afueras del CBGB esperando a que los Ramones le hicieran caso. Es posible que ahí, Nancy descubrira que "la onda" no estaba en Nueva York, sino en Londres, donde el Punk arrancaba su fase de glamour con los Sex Pistols. Prostituyendose y estafando a sus padres, Nancy llega a Londres y de inmediato se fija la idea de acostarse con un Sex Pistols. Johnny Rotten la conoce, se acuesta con ella pero fiel a su cinismo, la manda a la chingada por ser una "perra loca". sin embargo, Sid Vicious se engancha con esta gringa junkie, desmadrosa y sobre todo, harto psicotica que comparte con Sid tanto su modo desmadroso y anarquico de vivir como su pasión por la heroina. Al igual que con los Beatles (pero guardando las debidas proporciones) Nancy se convierte en la "piedra en el zapato" de los Pistols; ya que ella le hace creer a Syd que el es el unico Pistol con "talento" y que es precisamente el (Vicious) a quienes van a ver a los conciertos... Syd, tan inmerso en su adicción a la heroina, se la cree y finalmente abandona a los Pistols despues de su fracaso en su primer gira por Norteamerica. Nancy, cuya personalidad psicotica le iba muy bien al estilo punk de esos años, se vuelve su representante Informal y le consigue algunos toquines en Nueva York para hacerse de algun dinero para seguir comprando heroina hasta que finalmente en el mitico Chelsea Hotel, muere apuñalada en circunstancias misteriosas. Sid fue liberado de la carcel despues de haber pagado una cuantiosa fianza para poco despues morir de una sobredosis de heroina que su propia madre le aplico en una fiesta para celebrar su liberación. Muchos aducen que a pesar de todo, Sid estaba perdidamente enamorado de Nancy, al punto de haber cumplido un mitico juramento suicida que ambos hicieron durante algún delirio causado por la heroina. Como sea, la Spungen estará por siempre ligada a Sid y sobre todo, a su trágica muerte.

La grupi desconocida

Y por ultimo (aunque no por ello menos importante) un homenaje a esas mujeres que nunca dejaron que la mano fuese el unico consuelo (y alivio) en los momentos de soledad de cientos de rockstars durante agotadoras giras mundiales o grabando albumes en los puntos más extraños del planeta. Las groupies! las chicas de la fiesta eterna cuyo mayor premio no era llevarse al rockstar a la cama (eso lo hace cualquiera) sino que "sus hombres" las vieran no como musas, sino como valkirias acompañandolos en las guerras infinitas del rock and roll. Quizás pocos nombres de estas mujeres se conozcan, pero su presencia en los backstages de las salas de conciertos, estadios y foros es innegable. Ellas no son fans. Las fans gritan como pendejas sufriendo de convulsiones histericas. Las groupies gozan la musica. Sienten como orgasmos cada vez que las manos de "su hombre" acarician los cuellos esbeltos de las guitarras electricas y responden a sus dioses sobre el escenario con miradas dulces, contoneos cachondos y en el climax, sus ojos se posan en los de ellos para entrar en lo profundo de su alma durante la parte mas intensa de cualquier canción. Las esposas son molestas. Las groupies entienden al artista y le dejan retozar en sus cuerpos para que busquen la fuente de la inspiración ... las groupies van al cielo y al infierno con tal de estar junto a su rockstar ... y las groupies son y serán siempre, el alma del camino en los desolados paramos del rock and roll.

Así sea ... amen.

Cuando los Dioses meten la pata ...

2010-09-12T12:25:00.000-07:00

Estaba la otra vez viendo "The kids are alright", el mítico film documental sobre The Who, junto con algunas de mis finas amistades y por supuesto! con mi marido. Habiamos organizando algo así como un ciclo de peliculas roqueras para ilustrar un poco a mis jotos amigos, a los cuales lo unico que les interesaba del rock, era si estaban guapos o no los integrantes de los grupos y solo algunos sabian quién era Freddie Mercury ... pero todos sabían de la boda de la comadre Elton John.

Ya habiamos visto, en semanas anteriores The Doors de Oliver Stone, The Wall de Alan Parker, Stop Making Sense (delos Talking Heads) Rattle And Hum, All You Need Is Cash el magnifico mockumental parodico de Erick Iddle sobre los Beatles, el cual gira sobre una banda similar que se llama The Rutles y algunos otros mas, incluidos conciertos de Marilyn Manson, Pearl Jam y hasta de los Pet Shop Boys.

Al finalizar la pelicula,nos dabamos un atracón de comida (cortersía de mi marido) y nos poniamos a platicar horas y horas sobre arte .... jajaja! bueno! no tanto! simplemente comentabamos sobre lo visto y por supuesto, mis comadres estaban mas interesadas en expresar cosas como "ay! Roger Daltrey está para comerselo vivo mana!" que en poder expresar su apreciación sobre la manera de tocar la guitarra de un Jimmi Hendrix o un Pete Townshend.

Así andabamos esa noche de rock y copas, cuando una de mis comadres empezó a alabar el sex appeal de Jim Morrison y de pronto, soltó la pregunta: "Oye mana ... y alguna vez los Doors o Morrison hicieron un disco malo?". Usualmente, cuando alguien hace una pregunta asi, el "Dios Rock" se ofende y lanza un trueno fulminante ... pero en este caso, quizas estaba aunsente y no hizo otra cosa que acentuar el silencio sepulcral generado por su blasfemia... para despues seguir comentando sobre el paquetote de Val Kilmer.

la verdad, la pregunta es valida y por supuesto que hay una respuesta a la misma. Sin embargo, es curioso como los admiradores de tal o cual grupo (o del rock en general) tendamos a idealizar a nuestros heroes musicales y suponer que nunca, jamas! serían capaces de hacer porquerías ... para eso son casi casi dioses ... no? y sin embargo, hasta al mejor guitarrista, de vez en vez, se le desafina la lira. Pero es dogma de fe de los roqueros decir que artistas consagrados , casi casi dioses, núnca se equivocan.

Sin embargo ... nel! si se equivocan y en algunos casos, la cagan de tal manera que sus errores son capaces de arruinar toda su posterior carrera. A manera de ejemplo, veamos algunos casos de discos que, a la distancia, se han vuelto clásicos por ser malitos... amonos recio con el top 5 de los peores discos de rock de estrellitas consagradas!

Pilgrim [1998]

Eric Clapton

Reprise Records

La carrera del "mano lenta" Eric Clapton está llena de exitos y colaboraciones portentosas en proyectos grupales efimeros como Blind Faith o Derek and The Dominos y supergrupos como The Yardbirds o Cream, pero curiosamente, como solista el trabajo de Clapton va de lo sublime, como lo son sus trabajos dedicados a Robert Johnson o su disco con B.B. King, hasta cosas tan chafas, blandengues y cursis como este "Peregrino". Este horrendo trabajo es simplemente el punto más bajo de un Clapton aburrido, sin chispa y que, por otro lado, había entrado en un nuevo grupo de seguidores quese derritieron ante la "trend line" de los shows unppluged de MTV y sobre todo, de las dos canciones que se deprendieron como exitos del mismo, como lo fueron "Tears in heaven" y la espantosa versión de "Leyla". Clapton se nos ablandó, se nos pone meloso y populachero y nos regala en su Pilgrim las peores canciones de su historia, empezando por ese horror que es "my fathers eyes". El peor disco de una leyenda ... ay Eric!!! pus ora si que "qué te pasooooo???"

Hot Space [1982]

Queen

Emi / Parlophone

En alguna ocasión, Freddie Mercury acuño la siguiente frase celebre acerca de sus canciones: "... son como los rastrillos bic querido .... son pop desechable!" bueno! la comadre Mercury igual se vió muy cinica con su obra musical, que ciertamente tiene obras maestras de la música pop del siglo pasado pero tambien ... "aire caliente" como este Hot Space. Los Queenies estrenaron decada (musicalmente hablando) con un experimento que deliraba entre lo serio y lo hilarante; como lo fue la banda sonora de la pelicula "Flash Gordon" y que ponía a los sintetizadores al frente de los arreglos musicales; despues de 7 discos de jurar y perjurar que la "guitarra relinchadora" de Brian May producia esos sonidos de manera "organica" (es decir, sin tecladitos magicos). Flash fue un disco bueno, aunque mal entendido por la critica y dejaba a Queen en una posición delicada sobre su futuro musical. Rumores sobre una posible disolución de la banda, así como la salida de "Fun In Space", disco solista de su baterista Roger Taylor no auguraban nada bueno ... y asi fue. Bajo la dirección de Reinhold Mack Queen da un torpe giro hacia la musica bailable y nos entrega su disco mas disparejo de toda su carrera. Bajeos funkys, beats de sintetizadores, baterias procesadas, una sección de metales y una disparidad de estilos "nuevos" (en la música de Queen) como el new wave, el soul, la musica bailable y algunos destellos roqueritos hace de este disco una mezcolanza de canciones que van de lo simplemente mediocre como "Staying Power" hasta (curiosamente) clasicos como "Under Pressure". Cuando las cosas no podían estar peor, se cuenta que David Bowie, quien canta en Under Pressure, retrazó la salida del disco 3 meses debido a que, de ultimo momento, pidió que su voz fuera retirada de varias canciones más que habia grabado con los Queen y que formaban parte de este disco. (Chale!)

St. Anger [2003]

Metallica

Elektra Records

Despues de Load y Reload, uno esperaría que el siguiente disco de Metallica se llamaría algo asi como Upload ... osea, mas de lo mismo. Si bien es cierto que con "Enter Sandman" los Metallicas abandonaron su estatus de banda de culto (de esas que no se escuchan en la radio, pero que tienen un chingo de seguidores) para ser estrellitas de MTV, de igual manera se esperaba que, al menos, no fueran a dar las nalgas asi de facil a la musica comercial... pero Lars, el de Metallica y demás compañia encontraron la manera de hacer billete y aunque Load [1996] y ReLoad [1997] son los discos más "pop" de su carrera, al menos eran un giro novedoso en su estilo Trash... que siendo sinceros, de Trash ya quedaba nada y en ese momento iban que volaban para ser la versión "jevi" de Bon Jovi. Sin embargo por algo pasan las cosas y esos dos discos fueron el punto más bajo en la relación personal como cuates y grupo de los Metallicas y que finaliza con la salida de Jason Newsted del grupo. Para complicar la trama del melodrama, empieza la "etapa de terapia" de Metallica; la cual está hilarantemente desnudada en su documental Some Kind Of Monster y que culmina con la grabacion de este "Santo Furioso" que la verdad ... ni tanto. St. Anger nace de una buena idea mal ejecutada. El cambio del sonido de Metallica, principalmente en la bateria y sobre todo la ausencia de sus churriguerescos solos, hace que este disco suene a todo, menos a Metallica. Es evidente que despues de sus dudosas sesiones de terapia grupal y personal, estaban en la vil inopia cuando entraron al estudio a grabar ... sin bajista aun y esto se nota en todo el disco y su chafa busqueda de un "nuevo sonido". Igual a los 5 minutos de haber terminado el disco, se dieron cuenta que se clavaron en el rollo de lo "alternativo" solo para descubrir que a su edad, es dificil tener credibilidad para sonar a Slipknot. En fin! que afortundamente, los Metallicas vieron sus cuentas de banco y se dieron cuenta que estaban perdiendo dinero con experimentos y ... pues no hay mejor terapia, que contar una pila de billetes "dandole a la gente lo que quiere" ... bienvenido "Death Magnetic"!!!

Tonight [1984]

David Bowie

Emi

Ah! los ochentas! tan lindos!, tan llenos de color y vana frivolidad! generalmente, quien añora a los ochentas y vive en la nostalgia inducida de los medios sobre esos años, es porque sencillamente, o era muy niño para darse cuenta de lo que en realidad pasó, o muy viejo para importarle o simplemente, ni habian nacido. Para quienes de primera mano nos toco vivir esa decada, no hubo nada peor que darnos cuenta de que la caida libre de David Bowie en las fauces del pop más ramplón. Tonight es uno de esos discos que uno espera con ansias y que termina por dejar en el estante de "escuchese solo cuando estes pedo y quieras recordar tu juventud" es decir, funciona muy bien cuando lo oyes en el momento en que se editó, pero que ya despues le encuentras tantos defectos que lo terminas por aborrecer ... y no eres el unico! El propio Bowie declaró que "ese disco" es un ejemplo de sobreproducción y falta total de inspiración... excepto, "Loving The Alien", la unica canción rescatable de todo el album. A los excesos de producción, cortesía del propio Bowie y de Hugh Padgham (productor de moda, responsable del Sychronicity de The Police) se le pueden agregar los excesos propios del rockstar como cocaina, muchas fiestas y harto desmadre, asi como que Bowie estaba mas interesado en su papel en la puesta en Broadway del "Hombre Elefante" y consecuentemente, encargó la producción del disco a Padgham, el cual lo llena de todos los cliches ochenteros de moda y finalmente, nos deja un disco tan bonito que dificilmente uno puede pensar que quien canta alguna vez tuvo como alter ego a Ziggy Stardust. Afortunadamente, nuestra fé en las capacidades infinitas de reinventarse de Bowie nunca, hasta la fecha, nos han defraudado ...

How to Desmantle an Atomic Bomb [2004]

Island Records

Este disco debería haberse llamado "como desmantelar a un grupo de rock". Y es que, despues de este disco, U2 ha dejado de ser un grupo arriesgado y experimental para convertirse en vaca sagrada del mainstream y ha generado el curioso fenomeno de los "anti-Bono". Es curioso, pero despues del excelente (pero mal apreciado) "Pop" [1997] todos los nombres de los discos de U2 son como oscuras referencias del camino de su carrera musical (All That You Can't Leave Behind, How To Dismantle an Atomic Bomb, No Line On The Horizon) y peor aun! se han convertido en reciclajes "ad nauseam" del mismo sonido ochentero de U2 adulterado para que sea aceptado de buen grado por los consumidores del AOR (adult oriented radio). En particular, este "como desmantelar una bomba atomica", con todo y su rimbombante titulo y aderezado con las declaraciones de Bono de que este es su "primer disco de rock" pierde su encanto y filo "roquero" en cuanto terminan los acordes de "Vertigo", primer sencillo del plato y nos adentramos en el segundo capitulo de "U2: Mas de lo mismo!" cuyos siguientes entregas han sido igual de aburridos que la primera. Como dato final y ante el fracaso que fue "No Line On The Horizon", los U2 nos dice que van a sacar no un disco ... van a sacar 5! ... francamente, a mi me gustaría que solo fuese un solo disco ... pero que sea bueno!

Y (desgraciadamente) la lista podría ser muy, pero muy larga! ...

Togas contra Sotanas!!!

2010-08-17T11:18:00.000-07:00

Hace ya algunas lunas (como dirían los indígenas norteamericanos) escribí en alguno de los post perdidos de blog.com.mx relacionados sobre el tema del matrimonio entre personas del mismo sexo acerca de mi percepción de que si bien es cierto que se veía difícil (pero no imposible) la legalidad y constitucionalidad de los matrimonios de jotitas y lesbianas, si veía extremadamente lejano el día en que la adopción de parejas del mismo sexo fuese una realidad en nuestro país.

Pues bien… Ese día llegó … y de qué manera! El día de ayer, la Suprema Corte de Justicia (SCJ) de nuestro país falló en contra de la controversia constitucional promovida por la Procuraduría General de la Republica (PGR) contra la ilegalidad de la adopción por parte de parejas del mismo sexo. En días pasados, otras dos controversias promovidas también por la PGR sobre el mismo tenor de temas (sobre si los jotitos y las comadres machorras tenemos o no derecho de casarnos y que sea reconocida nuestra unión de manera legal) fueron de igual manera perdidas por la PGR.
El resultado final fue polémico por muchos aspectos. Descontando los consabidos reclamos con o sin sustento sobre la actuación de la Corte en otros temas, como el caso de la guardería ABC, la legalidad de la decisión de disolución de LyFC y otros asuntos polémicos que para muchos, son la “prueba” (así, entre comillas) de que la corte “es una bola de viejos decrépitos, ricos y que solo ven por sus intereses”; de igual manera el resultado del (por así llamarlo) “Caso de los jotitos que se querían casar y tener una familia” ha dejado en el camino además de infinitos ríos de opiniones a favor y en contra una situación que divide aun más a la de por si polarizada ya sociedad mexicana.

Es muy válido y respetable el que cada persona tenga su propia opinión sobre el tema y por supuesto, no debería ser motivo de enojo el que, por ejemplo, mucha gente nos considere anormales por el hecho de que tenemos otra preferencia sexual. Yo no voy a cambiarle la manera de pensar a la gente que tiene esas ideas y … ay no! Que flojera es tratar de llegar un acuerdo cuando las posiciones son irreconciliables. Supongo que, de igual manera, habrá muchos heterosexuales que consideran inútil tratar de razonar con jotas locas que van por la vida vestidas como si todos los días fuera carnaval y que al final, si bien es cierto que nunca cederán ni unos ni otros en sus creencias, si por lo menos se tratará de establecer una convivencia basada en ignorarnos unos a otros… así como ha sido hasta ahora.

Sin embargo, la situación cambia cuando gente como el Cavernario Cardenal Juan Sandoval Iñiguez (el mismo que durante los sexenios de Carlos Salinas, Ernesto Zedillo y Chente Fox insistió en culpar al gobierno de la muerte del Cardenas Posadas y buscar con esto, tener un “mártir” con el cual lucrar aun más en el Bajío ultraconservador) y su contraparte en el DF, el señor Norberto Rivera deciden empezar a hacer política desde el pulpito y arropados en un supuesto poder moral que da el ser los “representantes de Cristo en la tierra” comienzan no a buscar un dialogo, sino simplemente, a descalificar y en el colmo de la soberbia, a calumniar a quienes suponen son los culpables de “estas aberraciones” [Beto Rivera dixit].
Norberto Rivera, más timorato que su jalisquilla majestad, el Cardenal Sandoval, se lanzó de frente contra Marcelo Ebrard y el PRD, argumentando que las políticas izquierdistas del gobierno del DF atentaban contra los valores tradicionales y morales de las familias mexicanas y que lamentaba el fallo de la corte (en relación a la resolución de validar los matrimonios de personas del mismo sexo). Luego, a través del vocero de la arquidiócesis, siguió con sus duras, pero hasta cierto punto respetuosas críticas a la Corte; pero aumentó el todo de las que iban con dedicatoria a Marchelo y el PRD que por lo que se ve, no son (ni serán) “santos de su devoción”.

Evidentemente, más allá de las declaraciones de banqueta, ni el PRD ni Marchelo tenían intenciones de subirse al ring con Norberto y (supongo) que el propio Marcelo sopesó lo que este asunto en popularidad significaría y decidió no hacer caso al Kid Purpura “Norbruto Rivera”.

Cuando todo parecía que la jotería tendría su victoria al reconocerse la legalidad y constitucionalidad de los matrimonios gays, la corte sorprendió a muchos con el inesperado fallo sobre la validez de la adopción de parejas del mismo sexo (situación que, en la práctica ya sucede) y ora si manas: ARDIO TROYA!!!!!

El respingo inicial, fue de Sandoval Iñiguez que traicionando sus propios principios cristianos, ofendió y humillo a quienes dice representar (no solo a las jotitas y lesbianas que somos católicos) al declarar ante los reporteros “Que, a ti te gustaría que te adoptaran un par de maricones o lesbianas????” … sublime! Que muestra de amor al prójimo del señor Cardenal! Sin embargo, donde ya al señor se le fue de plano no solo la lengua, sino todas las tripas, fue cuando declaró que a los ministros de la corte, Marcelo Ebrard y organismos internacionales habían “maiceado” a los ministros para que aprobaran esas leyes. El Cardenal por supuesto que hasta el momento, no ha dicho si tiene las pruebas de esto o al menos, está dispuesto a revelar de que organismos internacionales se trata.

Es notorio el enojo de la jerarquía católica mexicana sobre su derrota en estos temas y que de alguna manera, eran la prueba del musculo del clero mexicano. Evidentemente, la presión que la iglesia impuso al gobierno federal para que interpusiera sus demandas de anticonstitucionalidad fue evidente, ya que en realidad, el enemigo a vencer no era Marcelo Ebrard o el PRD, sino a la propia Corte; ya que el problema sustantivo de los matrimonios y la adopción era sencillo: Una cuestión de igualdad legal y constitucional para todos los mexicanos, no importando su orientación sexual es, desde la perspectiva moderna, un derecho universal. Desde ese punto de vista, es obvio que el debate no iba en ese sentido. La verdadera traba, fue el que la decisión estuviera fundamentada en pruebas, métodos científicos y sobre todo alejada de prejuicios y creencias. Si la corte cedía a las creencias particulares de los ministros, su orientación religiosa o incluso a su propia experiencia, la justicia suprema en nuestro país hubiese perdido finalmente su laicidad y se hubiese convertido en un tribunal religioso y moral.

De ahí el rabioso reclamo de Sandoval y su coda venenosa; al rematar con despecho que “los ministros tendrán que responder a un tribunal superior por sus actos (osease el juicio de Dios) y (por supuesto!) al de sus familias y la sociedad”. Es decir, el señor Cardenal, en su soberbia, determinó que los ministros, por un simple acto de justicia, condenaron sus almas a un juicio que de entrada, ya lo tienen perdido (porque Dios nunca se equivoca, no?).

Por supuesto que el voto de censura promovido por la SCJ contra el hablador cardenal no es suficiente y esperemos que Marchelo cumpla su promesa de demandarlo por sus dichos; mismos que hasta ayer por la noche, Sandoval ha mantenido en firme y como mofa, los ha reiterado y retado a que “le revisen las cuentas” (sic) [Supongo que las de banco] a Marcelo y los Jueces.

Los llamados de Sandoval y Rivera, así como los del vocero de la arquidiócesis son, en la práctica, una intromisión de la iglesia en los procesos electorales del país, ya que, además de los señalamientos particulares hacia Marcelo y el PRD sobre que casi casi son emisarios de Satanás en la lucha terrenal por el poder, reconvienen a los creyentes católicos a no volver a votar por partidos o personas contrarios a sus creencias.

Eso sin contar la intolerancia incluso verbal de supuestas asociaciones “católicas” como la de los supuestos abogados católicos cuyo vocero afirmó que esta última decisión de la corte “le rompe la madre” (sic) a los niños.

Evidentemente, la amnesia es un mal contagioso que hace olvidar incluso que es más peligroso un cura pederasta que bajo el amparo de su “autoridad moral” puede llevar una vida de infamias y si se le descubre, irse a una “casa de salud” (como la que tiene Sandoval Iñiguez para sus sacerdotes enfermitos … de sexo) y jamás pagar por sus crímenes que el permitir que dos personas del mismo sexo, adopten a un niño después de haber pasado por muchas pruebas psicológicas y socioeconómicas que lo único que desean, es compartir el amor que se tienen con alguien que pueda cubrir su innegable ya derecho a tener descendencia.

En fin! …

Jotitas: A MARCHAR POR ... PORQUE FUIMOS A LA MARCHA???

2010-06-27T15:19:00.000-07:00

Dedicado a la Malbixo ... de que cumplo, cumplo!

No hay fecha que no se cumpla ni plazo que no se venza y finalmente, este 26 de junio, la jotería del Distrito Federal y áreas aledañas, nos dimos cita de nuevo para decirte a la cada vez más aburrida e indiferente (en algunos temas) ciudadanía que: AQUÍ ESTAMOS! ... o al menos, eso creemos.

La cita, como de costumbre desde hace unos años, fue en el Ángel de la Independencia; todo poderoso simbolo fálico de nuestra mexicanidad donde igual festejamos (supuestos) triunfos deportivos como, derrotas de partidos de futbol o, como en este caso, el triunfo pirrico de, por un día, salir a las calles sin tapujos para "dejarnos ver" y que entre risas, burlas, miradas lascivas y hasta de asco, aparezcamos para demostrar que no somos machos, pero si muchas ...

En la Marcha del Orgullo Lésbico, Gay, Bisexual y Transgenero 2010 estan presentes desde organizaciones defensoras de los derechos gays, grupitos de algunos colectivos activistas, representantes de partidos politicos que apoyan la diversidad sexual, contingentes de antros gays que han alquilado plataformas de trailers para improvisadas discos moviles y carros alegoricos de diversas empresas que de una forma u otra, les interesa el "target de mercado" gay y que alegremente, desfilan junto a madres y padres orgullosos de sus hijitos jotitos y lesbianas y por supuesto! contingentes de algunas ramas exclusivas del ambiente gay, como son los que gustamos de los gorditos que tenemos nuestra representación en el contigente de los "Osos Mexicanos". Pero eso no es unicamente la marcha. En realidad, esta se hace de los miles y miles de jotitas y lesbianas y cada vez mas heteros que se suman al contingente para ir en un desmadre muy sabroso desfilando por la más emblemática avenida del DF: Reforma.

Esta vez, la marcha es más polémica que otras, ya que un tema candente como el de los matrimonios gays y la muerte de la comadre Monsivaís, recuerda en la mirada de los recelosos y curiosos "heteros" sus fobias sobre los "raritos" y de como hemos poco a poco pasado de la clandestinidad y el rechazo social al reconocimiento de nuestros derechos y sobre todo, con la muerte de Carlos Monsivaís, el poder expresar que la jotería no es solo sexo y que los homosexuales valemos no por nuestras preferencias sexuales, sino por lo que creamos y somos.

Cierto es que esta marcha, a diferencia de muchisimas mas de las que (casi) a diario se escenifican en las calles de la ciudad, tiene ese componente de alegría y deshinnibición con que muchos homosexuales pintan su vida. Por ahi pasan hombres disfrazados de hadas, princesas y hasta indigenas con trenzas y huipiles; transexuales entallados en apretadisimas mallas para dejar ver sus "encantos de mujer" y tambien, en la división hardcore, están aquellos que en la excusa de que "todo se vale" alegremente se han despojado de sus ropas para ir desfilando en una anarquica pasarela de todos los tipos posibles de calzones y suspensorios ... hasta los que unicamente han decidido cubrirse el rostro y dejar al aire sus pocas o muchas "vergüenzas" para que al menos, por una vez, esas partes de su cuerpo ocultas conozcan las calles de la ciudad ... a pleno día.

Y en este día, donde todo se vale es posible ver las muestras de cariño mas tiernas como lo es el padre gay que va con sus hijos a la marcha, o las madres que orgullosas acompañan a sus hijitos con falda y kilos de maquillaje hasta los besos lésbicos más apasionados y ya en tonos mas fuertes, los fajes extremos, hasta culminar con aquellos que no pueden evitar el toqueteo indolente frente a los ojos incredulos, burlones y llenos de morbosidad de quienes son parte de la marcha y de quienes solo la ven pasar.

Aparte de los contigentes mencionados, la marcha vive de las muyers, lesbis, closeteros y jotitas que sin ser tan expresivas como las locas y marimachas disfrazadas, se solidarizan con su propio gremio y desfilan en silencio o en grupos escandalosos por las calles gritando las (ahora ya clasicas consignas) "el que no brinque es buga!" y "ese bigotón también es maricón!" además de las que tienen como proposito el apoyar el matrimonio gay, la adopción de niños por parejas del mismo sexo y por supuesto! las que tienes como proposito recordar la memoria del fallecido Monsi.

Pero no todo es felicidad en esta marcha. Por un lado, la negativa del Gobierno del DF a no permitir la culminación de la marcha en el Zocalo, debido a que este esta ocupado por las instalaciones del Fan Fest y el plantón del SME y por otro, los chismes de lavadero propios de las organizaciones gays y lesbicas, dió al traste con el desfile, ya que solo la vanguardía del contingente pudo llegar al Hemiciclo a Juárez y la retaguardia, fue groseramente desviada hacia la avenida Chapultepec, impidendole llegar al Hemiciclo donde se efectuaría un mitín.

Y por otro, pues tambien tenemos esa tendencia de algunos jotos que tienen su grupos sociales que, como el "Club de Tobi" solo sus miembros (valga la expresión) son incluidos a "sus" carros y "sus" eventos.

La tarde cae en el DF y la marcha termina. Por las calles del centro del DF se pueden ver aun grupitos de amigos disfrazados o vestidos a la última moda del Cabare-Tito aun comentando los pormenores de la marcha. Los vendedores ambulantes, que durante la marcha solo veían con asco y desprecio a los participantes, ahora que ya solo los ven en grupitos, deciden (ahora si) portarse "machitos" y profieren insultos homofóbicos a los que por ser jotos, creen que no les van a contestar; cosa que por momentos parece salirse de control cuando algunos de estos "raritos" les demuestran que "lo joto lo tengo en las nalgas, pero lo hombre, me sale de los huevos" y se enfrentan de manera valiente a esos que, en grupo, son bien machitos, pero solitos ... se les arruga.

Por la noche, la fiesta sigue en la zona rosa y por supuesto! la ocupación hotelera de los establecimientos de paso sube como la espuma. El día termina para algunos con la sorpresa de encontrarse en el amanecer de un nuevo día rumbo a sus casas. Para otros, en algún cuarto de hotel abrazados o hechos bolas en una orgía fenomenal y para la mayoría ... solo queda el recuerdo de "haber estado ahí" y de darse cuenta de que el lunes, deben volver al anonimato de la vida cotidiana y esperar hasta el proximo año para gritar entre la multitud de jotitas y lesbianas: SI, SOY GAY!!!! .... Y QUEEEE????

PD1: Que que tiene que ver esto con el rock? bueno, que andaban por ahi gente con playeras de Freddie Mercury George Michael ... no es ese motivo suficiente? jajaja!

¡Los Pixies presentan el Doolittle en vivo en México!

2010-06-08T09:27:00.000-07:00

Seguramente, la historia del (mal llamado) Indie Rock no sería la misma sin la existencia de grupos como Sonic Youth, Gang Of Four y sobre todo, los Pixies. Hasta hace relativamente pocos años (quizás una década atrás, no más) Los Pixies estaban reservados a ser una banda de culto por su limitada difusión radial y también porque fue en 1993 cuando después de pleitos bastante agrios, la banda se separa al finalizar la promoción de su último disco de estudio [Trompe Le Monde, 1991] que concluye después de abrirle varias fechas a U2 en su Zoo Tv Tour durante el 92. Black Francis, voz y guitarra del grupo, (wow! y todo un papa-osote!) fue el que por teléfono y fax, da por terminada la banda en ese 1993.

La separación del grupo no hizo sin aumentar su estatus de banda de culto y sus álbumes, principalmente el Doolittle de 1989, se convirtieron en influencia directa y reconocible en bandas como Nirvana. De hecho, el mismo Kurt Cobain reconoce que Smell Like Teen Spirit tenía una base rítmica y armónica muy en la onda de los Pixies.

A partir de 2004 y sin ningún material nuevo a promocionar, los Pixies se reúnen de vez en vez y han estado dando conciertos de manera esporádica, siendo memorables sus participaciones en Coachella 04, en el tocapalola … perdón! el Lollapalooza 05 y un curioso set acústico en el New Port Folk Festival de 05.

Durante 2009 y 2010, los Pixies se embarcaron en una serie de conciertos en locales pequeños para festejar los primeros 20 años de esa obra seminal para el rock alternativo como lo fue (y sigue siendo) el Doolittle y por primera vez, tocaran en la capital de nuestro país.

Esta es la nota del Milenio del día de hoy:

Celebración Doolittle llegará a México, los Pixies tocarán aquí

México.- La empresa organizadora de eventos, Ocesa ha confirmado hoy que
la banda estadunidense de rock, Pixies, tocará en la Ciudad de México el próximo
17 de octubre.

La banda se estará presentando en el Teatro Metropolitan,
según informó la compañía que está a cargo de la organización del evento.

La banda visitará el Distrito Federal en el marco de la celebración de
las 2 décadas del Doolittle, uno de los discos más populares de la banda.

De igual manera, la empresa organizadora anunció que la preventa de los
boletos para el concierto será los días 14 y 15 de junio.

La historia de
los Pixies se remonta a 1986; los fundadores fueron Black Francis y Joey
Santiago (el bajista Kim Deal y el baterista David Lovering se les unirían poco
después).

El nombre surgió cuando Joey tomó un diccionario y escogió al
azar una palabra: Pixie, le gustó que significara “pequeño elfo malicioso”. El
resto del grupo aceptó la sugerencia. Aunque al principio se nombraron Pixies In
Panoply, al final se quedaron con la palabra original en plural: Pixies.

En abril de 1989 sacaron el disco Doolittle, cuyos poderosos temas Here
Comes Your Man, Monkey Gone to Heaven y Debaser convirtieron a la banda en
objeto de culto. La película Un perro andaluz del cineasta Luis Buñuel fue la
inspiración de Debaser, una de las canciones incluidas en este disco.

El
segundo sencillo fue Here Comes Your Man, que sin duda es una de las canciones
más representativas de los Pixies y que los dio a conocer en el mundo entero
(tal vez porque es muy fácil de escuchar; demasiado pop para ser underground,
como criticarían algunos).

Por su parte, Monkey Gone to Heaven combina
una preocupación por el medio ambiente con un toque de numerología bíblica;
además fue el primer tema de los Pixies que tuvo músicos invitados: los
chelistas Arthur Fiacco y Ann Rorich, y los violinistas Karen Karlsrud y Corine
Metter.

Hasta aquí la nota (con algunos datos erroneos) del Milenio.

Si de leyendas vivas y vigentes se trata, los Pixies siguen sonando tan frescos como hace más de 20 años y si bien es cierto que el sobrepeso, la caida del pelo y los excesos de la vida del rock and roll hicieron sus estragos en el grupo, aun se agradece que a pesar de estos efectos, siguen sonando tan frescos y vitales como hace mas de 20 años.

Los boletos salen a la venta a través del gandalla sistema de boletos de Ticketmaster el proximo lunes 11 en preventa para Banamex y ya luego, ´pa la raza en general. Chequen los precios y … ALLÁ NOS VEMOS!

Todo es Roooooock!!!!

2010-05-23T15:44:00.000-07:00

Ahora que recién seguimos lamentado la perdida del grandioso chaparrín Ronnie James Dio, me he acordado de su desilución sobre el uso (y abuso) de una de sus marcas registradas: "La señal de los cuernos"; esa que se hace doblando los dedos gordo, cordial y anular y que asemeja los cuernos de algún ser demoniaco.

Según el propio Dio, esa señal (la mano cornuta)se la aprendió de su abuela italiana quien lo utilizaba para alejar a los malos espiritus; pero que no fue sino hasta su llegada a Black Sabbath que la empezó a utilizar al tener mayor relación con el lado oscuro por la estetica y tematica de las canciones de los blac sabanas y que a la postre, el símbolo quedó eternamente ligado al metal ferroso, satantico y espanta mochos... bueno! eso creiamos todos; incluso el mismo Dio, quién en alguna entrvista de la pasada decada, decía que le parecía absurdo que la estetica de los cuernitos fuese absorbida por la cultura pop y perdiera su esencia satanica para convertirse en una simple seña sin valor que se utilizaba de manera indiscriminada en cualquier cosa que tuviera que ver con el "rock".

El enojo del chaparrin estaba mas que plenamente justificado, ya que hacer cuernitos con la mano es la mas naca y poseadora acción que cualquiera puede hacer para justificar desde una supuesta afición al rock, hasta el ponerse cute para una foto del feisbuc.

La absorción de simbolos como este no es nueva, pero si tiene que ver con un fenomeno extraño que comenzó a mediados de los años noventas, en el nacimiento de una proverbial nueva edad del rock, donde los medios empezaron a ver el potencial comercial que existía entre la imagen, la musica y sobre todo, su infuencia en el poder adquisitivo de los jovenes y niños de la generación actual.

La historia del rock, como música bastarda nacida entre el rhythm & blues negro y el country pajarero blanco, siempre estuvo inmersa en la polemica sobre su nociva influencia, primero entre los jovenes blancos gringos y posteriormente a la sociedad en general. Habrá que recordar por ejemplo que, hasta antes de la llegada de Elvis Presley al mainstream gringo, el rock ya existía en la voz y guitarra de Chuck Berry, pero al ser él (Berry) negro no tuvo el mismo impulso, promoción y aceptación que, digamos, el mismo Elvis que unos añitos despues, fascinaría y escandalizaría a la sociedad gringa por esos movimientos tan sexualmente explosivos de cadera y sobre todo, porque sus movimientos acentuaban ese ritmo tan extraño e hiptnotico (para los blancos) y que tenía un nombre que solo los conocedores del caló gringo podían entender su verdadero sentido sexual: Rock And Roll!!!

Elvis fue el primer icono sexual del rock, pero eso de que fue el rey del rock es un titulo que a la distancia, es harto cuestionable no por su calidad de interprete, sino porque Elvis traicionó la esencia rebelde del rock (de esos años) al abdicar al trono de manera voluntaria (o como un ardid publicitario) y enlistarse en la armada gringa para irse a echar una temporadita a una base militar en la Alemania de la post guerra. Para el siempre patriotero publico gringo, este gesto de un "vago-que-toca-musica-de-negros" fue tan sublime, que sin querer (¿o queriendo?) Elvis estrena al Rock como una musica inofensiva, pueril y americana. Esto abre la puerta de la aceptación comercial y cultural del genero, es decir, su domesticación (primero) y despues, su mitificación al asociar al rock cincuentero como referente cultural pop del cual se desprende toda una parafernalia que hasta nuestros días permanece intacta por los "recuerdos inducidos" de nuestros padres y los medios. Así pues, las chamarras de cuero, los copetes envaselinados y las Harley-Davison pierden su significado original de rebeldía inmortalizada por Marlon Brando en "The Wild One" [Lazlo Benedeck, 1953] y ahora se acercan más al tono rosa de comedia romatica de "Grease" [Randal Kleiser, 1978].

Esto no fue necesariamente el final de la rebeldía en el rock, ya que durante las siguientes decadas, la música retomó sus caracter de elemento contracultural, disgregandose en infinidad de nuevas corrientes alejadas cada vez mas del "bubble-gum rock" cincuentero. Sin embargo, esta diversidad implica necesariamente que en algún momento, estos nuevos subgeneros (psicodelia, hard rock, progresivo, heavy metal, etc.) generan interés en cada vez más y mas gente y por supuesto! el de los medios y las compañias discograficas. Una labor de los departamentos de A&R (Artist & Repertoire) de las grandes compañias de discos, es precisamente, aguzar su "olfato" para entender las nuevas tendecias de consumo del publico y, en consecuencia, "orientar" a sus artistas sobre lo "que esta de moda" o, por otro lado, contratar más artistas "con lo que esta de moda" para satisfacer a las masas avidas de cosas "nuevas".

Así pues, poco a poco el termino "rock" se va asimilando a la cultura popular mundial, integrando sus simbolos de manera natural o "forzada" a los codigos de la cultura pop vigente; hasta el punto que el "rock" a pasado de de expresión musical, a contracultura rebelde, virtuosismo artistico, negocio milloanrio y ahora ... ahora el rock es "una actitud" ... (!)

Es decir, el rock ya poco o nada tiene que ver con aspectos musicales y se asocia más a un indefinible mazacote donde cabe practicamente cualquier cosa que tenga que ver con "ser rebelde". Así pues, rock puede ser desde un grupo de "EMO" hasta una niña estupida que se viste como emo y todas las fotos de ella y sus cuates en su feisbuc salen con "actitud" ... claro! haciendo cuernitos con la mano, sacando la lengua o simplemente, posando como si fueran rockstars.

Quizás lo mas lamentable de esto, es que la "actitud" no es otra cosa que otro invento de los medios para prostituir por enesima vez el nombre del "rock" y venderlo ahora como un elemento sano, puro y familiar.

Disney (y todo lo vomitivo que significa) es el principal promotor de esta nueva generación de "rockeros" que son gente positiva, buena onda ... amen de guapos, simpaticos y decentes y cuya musica es tan hueca y banal. Musica bonita pues; pero a ritmo de rock.

High Musical School, Camp Rock ... los Jonas Brothers y demás grupillos Disney promueven desde sus trincheras el mensaje "cool" de lo politicamente correcto donde todo es lindo, bonito y sobre todo a la moda. La estetica sobre el contenido, la ñoñería sobre lo relevante, la imagen ante todo.

Los grupos "rock Disney" nunca tienen problemas económicos, nunca tienen problemas existenciales y nunca de los nuncas, se cuestionan nada ... visten a la moda, son guapos y talentosos solo piensan en las cosas buenas de la vida: No maldicen, no beben, no se drogan ... no cojen!!! en fin! que ellos le han lavado la cara al rock, le quitaron todo "lo malo" y lo han dejado como "actitud" ... yeah!

Así pues, el contagio es inminente y ahora, todos pueden ser rockstars gracias a juegos como "Rock Band" o vestirse bien "rocker" (aunque lo tuyo tuyo, sea el duranguese) y sentir esa actitud "rocker" que tienen las canciones de Pepe Aguilar ...

TODO ES ROCK!!!!!

Como ser un "concert goer wannabe" y no morir en el intento

2010-05-08T23:32:00.000-07:00

El primer concierto de rock al que asistí, fue al de Queen en la ciudad de Puebla allá en el lejano 1981. Fue una experiencia que personalmente, cambió mi forma de apreciar la música y por supuesto, me hizo querer con mas ganas el ser un rockstar (y que al final, lo maximo que logre, fue ser "gruppie" y luego amante de cierto vocalista gordito de cierta banda ochentera de cuyo nombre no quiero acordarme ... jajaja!). Pero bueno! ese no es el tema, (aunque ahorita que escribo esto, pues me acuerdo de mis "greatest hits" con ese gordito ... jajaja!) ... ya! basta de desvarios! lo que quería decir era que recuerdo perfectamente todo lo que sucedió antes, durante y despues del concierto: La "huida" secerta al concierto acompañando a dos de mis primos que practicamente me secuestaron de la escuela militar donde estaba recluido; al cual mis padres me habían prohibido ir, el viaje en el Lebaron 79 de mi tia escuchando a Queen y mis primos dandose "las tres" y riendo como dementes; dejar el auto en el estacionamiento de un Sanborn's y de ahí, en taxi al lugar del concierto, bajarnos como a 20mil cuadras de distancia y recorrer junto a otros cientos de fans a pie el camino a la entrada de un pinche estadio de beisbol mas viejo que la chingada; que los putos policias te basculearan a la entrada de manera por demas ojete, quitandote grabadoras y pilas, mismas que los muy ojetes te las revendían adentro; el "We Will Rock You" con que iniciio el concierto y a un Freddie Mercury con su bigotito de mesero mexicano gritando "Hoooolaaaaa Mexicouuuuuuu!!!!! todo bien?????" dentro del "Pizza Oven" que era el mismisimo escenario que tantas veces soñamos ver desde que salió el doble en vivo "Live Killers" y a Roger Taylor en su enorme batería y a John Deacon tocando de manera precisa y sin aspavientos su bajo y sobre todo, escuchar la maestría de Brian May con su Red Special ... siiiii! la "Roja especial" la guitarra mágica con la que podía sacar sonidos innimagibales!

Si ... fue una experiencia sublime aunque empañada por el calcetinazo de tierra que algún pendejo baboso le aventó a Brian May y que hizo que el sueño de que ahora si, los mexcanitos ibamos a ver a otras estrellas del rock internacional en nuestras tierras, se postergara mas de 7 años con la primeroa presentación de Rod Stewart en nuestro país.

Cierto: La industria de los conciertos en México estaba aun en pañales y de igual manera, existía el recelo de las autoridades de que estos eventos eran fuente de desmadres, drogas y "malos ejemplos" para la bien portada juventud mexicana. Considerando la experiencia de Queen en Puebla, donde la desorganización y sobre todo, la oportunidad de que la (entonces) juventud roquera mexicana tuviera la oportunidad de darle rienda suelta a su pasión por la música y a otras "cositas" dieron como resultado que, para los Poblanos, el concierto fue un desmadre del que aun ahora se acuerdan.

A la distancia, la experiencia de Queen es la prehistoria de como organizar conciertos en México. Actualmente, empresas como OCESA y otras más, han llegado a un grado de profesionlización en su logistica (y sobre todo, del manejo de recursos y alianzas estrategicas con empresas como Ticketmaster) que practicamente, nuestro país es parada obligada de las giras de artistas y grupos que en esos remotos principios de los ochentas, se antojaba más un sueño pacheco y lejano que una realidad tangible.

Estos cambios tambien los han tenido quienes asisten a estos conciertos y que de alguna manera, ha generado fenomenos tales que es mas peligroso ir a un partido de Futbol que, por ejemplo, ir a ver a Kiss ...

Un fenomeno que cada vez más se ve en la presentación de artistas y grupos digamoslo así "legendarios"; ya sea por su obra o por su impacto mediatico; como por ejemplo, Muse, Roger Waters, Madonna o el mismisimo Paul McCartney; es la aparición de unos seres que se sienten paridos por el mismisimo Dios y que tienen el don de la ubicuidad y de estar (como dice el slogan de cierta cerveza) "presentes en los mejores eventos".

El termino "concert goer" que en españo podría ser algo así como "el wey que siempre va a los conciertos, aunque no sepa quien carajos toca" es como se define a estos seres que sencillamente (y en sus propias palabras) "van porque tienen que ir" y resultaría una nimiedad el que lo hicieran, de no ser por sus actitudes que de una forma u otra, resultan ser de lo más patetico si es que tienes la suerte de estar junto a un grupito de estos.

Como un servicio a la comunidad roquera mexicana, esa que a veces empeña hasta la pantalla de plasma con tal de ver a sus idolos en vivo, les presento una breve guía de estos tipos a fin de que, en la medida de lo posible, los eviten o si no es posible, tengan un objetivo claro y visible cuando vayan a lanzar su vaso desechable con "jugo de riñon" en los conciertos.

GUIA DEL CONCERT GOER MEXICANO (ACTUALIZADA)

1. No escoja conciertos. Vaya a eventos! El poder del dinero se nota cuando uno puede presumir que vimos a Radiohead en sus conciertos a México y estuvimos ahí ... aunque de Radiohead, solo sepamos que "eran los weyes que cantaban la de Creep".

2. Vestido para el exito. Lo de hoy, es ser "indie" y eso implica vestirse con los trapos que dicta la moda roquera en voga. Hay que ir a los conciertos vestido con la elegancia "casual" los de Vampire Weekend, como los Cristal Castles, pandrosones pero "chics" o como los de Fall Out Boy (si le late la moda emo) o como el grupo de moda de la semana. Sin embargo, lo que importa es la actitud. Llegue al concierto y sientase rockstar, mirando a todos así como con cara de "si, si soy quien tu piensas wey" ... total! en México hay tantisimos grupos indies que todos parecen iguales ...

3. Haga del concierto, "su reunión social". Si usted es alumno del Tec, la ULA o cualquier otra universidad de postín o si usted es un "top executive" de archifamosa trasnacional con cuates igual de riquillos que usted, invitelos al concierto! compren en las preventas boletos caros y de a montón y enjareteselos a sus cuates! prometales que "se la van a pasar padre". En el concierto, aproveche la ocasión para hacer todo, menos ver al grupo. Organice a sus cuates para platicar de sus ligues, sus desmadres y si son compañeros de trabajo, organice hasta una reunión de planeación!

4. Entre la gente bonita, la amistad es "cool". Si se encuentra con sus amigos en el concierto, abrazelos y saludelos tan efusivamente como pueda ... haga de cuenta que acaban de regresar de un viaje de un año a Siberia ... aunque los haya visto en la mañana en los pasillos de la escuela o de la chamba y procure que todos mundo alrededor suyo se de cuenta de este gesto. La amistad hace la fuerza! por eso ustedes están jodidos!!!!

5. Que te valga madres todo! Si! usted pagó por estar ahí, entonces haga lo que se le pegue la gana. Qué no le gustó que Peter Gabriel cuente historias sobre sus canciones? gritele "pinchi viejito ga ga! denle ya su cocol!! Qué su cuate esta contando chistes a mitad de "Set the Controls to the Heart of the Sun"? pus riase con todos los guevos que pueda! Que a su nena le gusta tomarse fotos con Madonna al fondo? pus tomele todas las fotos que quiera!

6. Momentos Kodak pal feisbuc. Nadie le creera que estuvo "ahi" si no sube la evidencia a su feisbuc. Esta regla es para los compulsivos del mundo virtual, donde toman fotos hasta cuando van a cagar. Pasese todo el concierto tomando fotos: De usted, de sus cuates, grupales, duos, trios, del vaso de la chela ... de todo ... ah! pero no del grupo, por favor. Eso es de nacos.

7. Cuernitos hasta pa timbiriche. Todo es rock! y usted es estrellita rockera superstar! así que no importa si el grupo esta tocando la mas cursi de sus baladitas o el más estridente punk-duranguense! levante su manita derecha, haga cuernitos con ella y pasese todo el concierto grutando "UUUUUUUUUHHHH!!!!"

8. Pida su rola! Ok, usted pago una lanisima por el boleto más caro que pudo conseguir nomás para apantallar a su leidi que nomás porque le dijo que le gustaba "Supermassive Black Hole" de Muse (porque la vió en Crepusculo), entonces, tiene todo el derecho de gritarle al grupo, desde la primera canción "tocateeee la de crepusculooooooo!!!!" ah! y no se abochorne si es que ya la tocaron y usted sigue necio pidiendola ... total! nadie se dará cuenta ... ni su novia.

9. Pongase "en onda". La marihuana es 'pa nacos ... pero si usted saca su churrito de su cigarrera de piel, esa que tiene grabada con la frase "The Doors of Perception" entonces, no es porque usted sea naco, es porque usted si sabe que el rock, con la mota, se disfruta más ... ah! y si algún peladito le pide "las tres" en el concierto, hagase el wey y mire para otro lado.

10. Y al final ... portese como todo un critico para apantallar a los villamelones que por pobres no han podido, como usted, ver por ejemplo a los Rolling Stones en Birmignham y escuchar su docta opinión de que el mejor guitarrista que han tenido los Stones, ha sido Alvin Lee ... (?)

Besitos!

RBD Boy

Blur: No distance left to run

2010-03-09T16:49:00.000-08:00

Recien terminé de ver el nuevo documental sobre Blur que se llama "No distance left to run", mismo que viene acompañado de su apoteosica presentación de julio de 2009 en Hyde Park, Londres.

A diferencia de "Starshaped" [1993], otro documental sobre esta banda inglesa, "No Distance..." nos muestra las verdaderas razones por las que Blur se fue al retiro despues de las frustrantes sesiones de su septimo (y hasta ahora último) albúm de estudio "Think Tank" en 2002, además de un recorrido en voz de los propios músicos sobre su historia, su miedos, su frustración y sobre todo, sus razones para volver a estar juntos.

A diferencia de su némesis Oasis, Blur siempre fue una banda que estuvo cohesionada no por la rivalidad "creativa" de dos hermanitos mamones y peleoneros como lo son los Gallagher, sino por una genuina amistad de cuatro individuos que tuvieron que salir de un pueblito en los suburbios de Londres, como lo es Colchester y enfrentar la apabullante frivolidad de la fama, el dinero, el sexo las drogas y todo lo que se puede comprar siendo estrella de rock.

Durante el documental podemos ver como poco a poco la amistad y el respeto como músicos se fue perdiendo en la voragine de la vida de los excesos. Graham Coxon, el virtuoso gitarrista y artista grafico de Blur podría pasar como referente vivo sobre los estragos que puede ocasionar el ser una persona en extremo timida en un medio completamente publico y extrovertido. De hecho, la afición de Coxon a la bebida fue lo que finalmente ocasionó la ruptura de Blur y sobre todo, el enojo y distanciamiento entre el y Damon Albarn, vocalista de la banda.

Sin reservas y con la necesidad de vaciar su vida de rencores y malas vibras, a lo largo de las casi dos horas de documental, Coxon, Albarn, James y Rowntree describen los momentos felices de la banda, pero de igual manera los mas dificiles, como lo fueron las dislocadas sesiones de grabación de Think Tank.

Al final, es evidente que, si no pasa otra cosa, "No Distance Left To Run" abre la puerta para un nuevo capitulo en la vida de esta banda britanica.

Mención aparte es el concierto integro de Hyde Park del 2 de julio de 2009, el cual culmina la serie de conciertos que durante la primavera y verano estuvieron llevando a cabo en Inglaterra y que sirvieron como calentamiento para su toquín en la capital inglesa.

Este es el link del trailer de este documental: http://www.youtube.com/watch?v=6iYxdghpJZY

Finalmente, existe la expectativa de que posiblemente, Blur entre a los estudios de grabación muy pronto y que con el albúm resultante se embarquen en una gira mundial donde (esperemos) vuelvan a estar en nuestro país.

Tus idolos están muertos ...

2010-02-05T14:26:00.000-08:00

Desde hace días, a través del Twitter, he estado recibiendo mensajes sobre la Segúnda Odisea (sic) de una estación ochentera llamada Rock 101 y que estuvo en circulación en el DF por ahí del 83 al 89 (creo).

"Rock 101 ... ídea musical" y "Puro, total y absoluto rock and roll" erán dos de las frases con las que se identificaban algunas cortinillas de la estación y las cuales se convirtieron en su sello distintivo durante la vida de la estación.

La frecuencia de FM donde transmitían era el 100.9 mHz; misma que fue ocupada despues por una estación pitera de música pop y supongo que finalmente sucumbió a la avalancha de "radio blah blah" que ahora innunda el cuadrante radiofónico del DF.

Esto no tendría nada de extraordinario y de hecho, no lo tiene si consideramos que desde "la Rancherita del Cuadrante" hasta nuestros días, han pasado a la historia (y al olvido) cientos de conceptos radiofonicos de chile, dulce y manteca.

Sin embargo, el caso del revival de Rock 101, ahora a través de un streaming media en internet, es por demas emblemático de como una mentira repetida mil veces, termina por ser una verdad indiscutible vía la milagrosa capacidad que tenemos los humanos de olvidar y sobre todo, de glorificar el pasado.

Sin embargo, esto no es más que una señal innequivoca de que los que antes nos reiamos de los debrayes de nuestros padres, que cuando veían una pelicula de Cesar Costa o la de "Vaselina", nos describian los finales de los 50's y principios de los 60's como un paraíso donde todo mundo iba a la preparatoria, viajaban en Cadillacs convertibles y se pasaban horas y horas ligandose chavas en las fuentes de sodas de la Colonia del Valle y Lindavista y los únicos problemas que tenían, era los relacionados con que sus papas no los "dejaban ser jovenes"; ahora somos nosotros los que hemos empezado a mitificar nuestra juventud porque encontramos ya extraño adaptarnos a los nuevos signos de los tiempos y sobre todo, que cada día que pasa, estamos más y más ajenos a la realidad de los que nos preceden, que curiosamebnte, piensan de nosotros exactamente como nosotros cuando fuimos jovenes.

De esto no son ajenos los medios de comunicación, mismos que ya desde hace algunos años, nos han empezado a bombardear con productos especificamente empaquetados para el consumo y deleite de los cuarentones-clase-media-con-un-ingreso-economico-superior-al-promedio y que están al borde de un ataque de nervios cortesía de la mitica crisis de los cuarenta.

Cosas como la supuesta revaloración como pioneros del rock en español (ja!) de una nefasta "banda" (así, entre comillas) como Timbiriche, la anacrónica repetición ad infinitum de lo más horroroso del subgenero "Rock en tu idioma" y obras de teatro musical como "Mentiras" y ahora, la "segunda odisea" de Rock 101, son muestra tangible de que no hay cosa peor que la nostalgia inducida: Esa que nos hace ver las cosas no como fueron, sino de una manera totalmente diferente, gracias a la aseptica limpieza que los medios le dan al pasado y que nos la venden como un remanso para curar nuestras conciencias y encontrar un supuesto link generacional donde todo fue lindo, buena onda y sobre todo darnos la certeza que nuestro pasado colectivo fue real.

Si: Nuestros idolos están muertos y con ellos, se fue nuestra juventud ... pero que tiene? al fin y al cabo, en nuestra mente seguimos viviendo en 1985...

El único consuelo de todo esto, es que dentro de unos diez años mas o menos, el turno será de la decada 00 ... jajaja! suerte emos con sus hijos (si los tienen!)

En fin!

Quien carajos son Le Bucherettes?

2010-02-01T17:00:00.000-08:00

Hacer Circo, maroma y teatro es un dicho muy popular en México que se aplica cuando por ejemplo, tenemos que hacer muchas cosas (a veces disimbolas entre sí) para llegar a un fin o meta.

Así pues, hacemos circo maroma y teatro cuando por ejemplo, tenemos que ir a un concierto entre semana y tenemos dejar mas o menos listo el informe que con insistencia tu jefe tu pidio, echarle un ojito a tus colaboradores para que no se hagan como que trabajan, lidiar con el trafico endemoniado del Periferico y Viaducto a las seis de la tarde, buscar donde estacionarte, y caminar como equilibrista entre las calles de baquetas rotas y la mercancia chida de los vendedores de playeras, tazas, posters y demás parafernalia de cualquier concierto.

Cuando llegas a tu lugar en el local del toquín, literalmente has dejado bastante de tu sistema nervioso atras, aunque te repites mentalmente que valió la pena porque vas a ver a quien quieres ver ... o eso crees.

Tambien el circo maroma y teatro esta presente en el rock, aunque en otra escala y dimensión. Desde los inmorales shows de Alice Cooper y Kiss en los setentas y aun antes, con los shows psicodelicos del Pink Floyd de Syd Barret hasta llegar al desplante gay de David Bowie en su alter ego de Ziggy Stardust y los disfraces extravagantes de Peter Gabriel en Genesis, el rock se ha dado la mano con el circo, el teatro y su variante mas avangarde como lo es el performance.

Y esto viene al cuento porque el miercoles fui a ver a los Yeah Yeah Yeah's al Palacio de los Rebotes en el Distrito Federal y como grupo abridor, estuvieron una parejita que van que vuelan para convertirse en el dúo más sobrevalorado del rock en México.

Aunque nunca dijeron su nombre, al final la cantante djo que el nombre de su banda era "Penes y Vaginas y un universo no-se-que-madres"; por lo que supuse que ese era el nombre de la banda. Crazo error del que me sacó un amigo al día siguiente al decirme que se llamaban Le Bucherettes.

Investigando un poco en internet, supe que eran de Guadalajara y que antes la que tocaba la batería era una mujer, que se habian disuelto y que ahora, la cantante/guitarrista Teri Gender-Blender, habia retomado el proyecto con un nuevo baterista que según es su hermano. También me enteré de que tenían a la comunidad "indie" de México con la baba caida por su concepto musical y que casí casí, teniamos a una estrella a la altura ni mas ni menos que de Nina Hagen (según comentarios de algunos weyes en blogs y message boards)... ay no mames!

Si hubiera leido de ellos antes de verlos, igual mi expectativa de verlos hubiera sido otra, pero creo que al final, el resultado hubiese sido el mismo: Pretensión, mamonería y sobrevaloración.

Y es que Le Bucherettes son tan vanos en su idea de querer ser "no-star" que terminan generando la impresión contraria; esa que impregna actualmente a cualquier bandita dizque "indie" en México y es la de "veeme y adorame".

Musicalmente, se notan casi copiadas a calca las influencias de Sonic Youth, Babes in Toyland, los Dresden Dolls y una obsesión clara de la cantante por Karen 'O de los Yeah's. Vaya! incluso sus fraseos son identicos a la de la 'O. A su favor, he de decir que Teri es una excelente guitarrista y que su "hermano" (?) le pega sabrosón a los tambores ... pero hasta ahí.

Claro que un dueto de estos hay como cien (y contando) en todas las latutides del planeta; lo que los hace "diferentes" (es un decir) es su mezcla de música y performance y aquí es donde la puerca tuerce el rabo ...

Su performance es pretensioso, sobre actuado y falto de frescura. Se nota que ha sido ensayado una y mil veces para darle ese toque "arty" y que quien no los conozca diga: "wow" weey" 'ta chingoooon!" y que puede generar shock en el colegio Regina en un festival de 10 de mayo, pero hasta ahi.

Empezemos destrozando el vestuario: Ella, vestida con un vestido como de niña boba de los años sesenta y el baterista con algo así como una bolsa de yute para guardar naranjas en la cabeza ... orale! post, post, post modernismo retro con esencia de comic! La cantante toma su guitarra en un escenario donde previamente han puesto cabezas para colgar pelucas, algunas frutas, una escoba de popotillo, una boa de esas de filillos de brillo metalizado y algunas otras cosillas que conforme va avanzando la presentación, la cantante toma, muerde, rompe y finaliza derramandose algo rojo (sangre?) en la cabeza, no sin antes haberse lanzado al publico en feroz stage-diving y regresar pa seguir cantando y finalizar en un salvaje y fingido orgasmo musical y retirarse para develar el misterio de sobre quien carajos eran. Nomás le faltó a la mujer esta tener a su lado a 3 weyes que la contuvieran como en su momento, solía hacerlo James Brown es sus shows cuando la tristeza del Soul se le subía al alma y lo poseía.

Pretencioso, apantalla pendejos y sobre todo, desechable fue el show de este par de Jalisquillos.

Y eso es lo que tenía con la baba caida a los indies en México? ... ay no mamen!

En fin!

El chorrito

2010-01-31T21:25:00.000-08:00

... Que se hacia grandote y se hacia chiquito. Asi lo cantaba en los cuarentas Cri-Cri y podría ser una netafora de carambola de tres bandas. Así pues, puede aplicarse a sin fin de situaciones; incluidas por supuesto, las de índole sexual (ya saben a lo que me refiero).

Pero no es mi intención hablar sobre cosas "sucias" (no al menos por ahora); sino del rock que como el chorrito, tiene sus altas y sus bajas.

Pero ... antes de continuar, "let me introduce you" tal y como Lucifer le dijo un día a Robert Johnson (el de la foto) en una encrucijada de algún polvoso camino de la norteamerica sureña y que a cambio de su alma, lo convirtió en virtuoso de la guitarra y cuya influencia se siente hasta nuestros días (y si no, preguntenle a Jack White). Bueno! les decía: permitanme presentarme: Mi nombre es tal y tal, tengo tango años, soy tal y tal y buen pedo, además. Quizás algunos me ubican más con el mote del RBD Boy, que escribe en otro blog (www.blog.com.mx) y pues despues de mucha desidia, al final terminé costruyendo mi propio blog, donde le daré rienda suelta a mis obsesiones, intimidades, recuerdos, malas leches y demás ... y ya ... tán tán ... pasemos a lo que nos truje.

Estabamos conque ...

Hoy decir me gusta el rock ya no espanta ni a tu abuelita por culpa de los cute rocker boys made in Disney y cuando cualquier idiota (me incluyo) podemos sentirnos rockstarcitos vía rock band es claro que el rock es chiquito.

Por eso el rock tiene la culpa! Tiene la culpa de haberse dejado manosear las nalgas por las compañias discograficas, por el mainstream y sobre todo, por haberse dejado bañar, cortar las uñas, hacerse peelings como los de Bon Jovi y finalmente, por dejar que la palabra Rock signifique todo, menos música, actitud y sobre todo, honestidad.

Hoy que la escena musical está rodeada de niños-bonitos-Disney-en-anfetaminas es claro que lo que necesita el rock es una patada en las nalgas que lo haga salir de su sopor de "vida sana y dí no a las drogas" para enseñarnos el lado oscuro de la vida, ese que está lleno de peligros pero que es más divertido y revelador de la verdadera naturaleza humana; esa de que todos estamos hechos y que sin embargo nos negamos a ella.

Claro! "de lengua me como un taco" reza el urbano dicho que se aplica a los (valga la redundancia) deslenguados parlanchines que como su servilleta escribimos, criticamos, pero que igual mamamos (sin albur) de las mismas fuentes que despreciamos. Sin embargo, creo que esta improvisada trinchera de resistencia pueril contra "el orden normal de las cosas" al menos será (bajo mi punto de vista) una válvula de escape contra lo aburrida que es la vida actualmente.

Para hacerlo más claro: Solo quiero que este espacio muy personal me sirva para contarte sobre lo que creo, lo que he vivido y sobre todo, lo que he acumulado de conocimientos intrascendentes que me sirven un carajo para vivir ... pero como me he divertido acumulandolos bajo el amparo de la música más trascendental de los últimos 50 años: El Rock.

Y es que una cosa conduce a la otra: Del rock a los poetas malditos, de los poetas malditos a la estética artistica, del arte como elemento de contracultura y rebelión, de la rebelión a la politica, de la politica a la sociedad, de la sociedad a la cultura popular de de ahí, a la música ... todo esta ligado y por tanto puedo afirmar que efectivamente:

EL ROCK "SI" TIENE LA CULPA!

Bienvenidos!

EL ROCK SI TIENE LA CULPA!

Caprichos de un rockstar senil: Kisses on the Bottom – Paul McCartney

¿Crecerá algún día el rock mexicano?

De sueños siameses y calabazas aplastadas: (casi) 20 años del Siamese Dream

EL ULTIMO TREN DE LA ALEGRIA

Queen: Days of our lives

Lo más mejor y pior del rock en 2011

No Alternative, No Commercial, No Grunge (parte 3/3)

No Alternative, No Commercial, No Grunge (Parte 2 de 3)

No Alternative, No Commercial, No Grunge (parte 1)

Star Fleet Project - Brian May + Friends

Porqueeeeeeé!? Pink Floyd!

¿Quién acabó con el negocio de la música?

Santo contra las momias del Rock!

Adios Emo, Adios! ... Bienvenidos los hipsters!

The Wall: Entre lo grandioso y lo grandote

Alicia en el espejo: 15 años del multiforo cultural Alicia

Band On The Run: 35 años de los conejos en fuga...

U2 Regresa a México en 2011

Femme Fatale del rock

Cuando los Dioses meten la pata ...

Togas contra Sotanas!!!

Jotitas: A MARCHAR POR ... PORQUE FUIMOS A LA MARCHA???

¡Los Pixies presentan el Doolittle en vivo en México!

Todo es Roooooock!!!!

Como ser un "concert goer wannabe" y no morir en el intento

Blur: No distance left to run

Tus idolos están muertos ...

Quien carajos son Le Bucherettes?

El chorrito